Чехов и победа/XII Международный фестиваль театров стран СНГ и Балтии "Встречи в России" (г.Санкт-Петербург)

Выпуск № 1-131/2010, Содружество

Международный фестиваль театров стран СНГ и Балтии «Встречи в России», прошедший, как всегда, в апреле, стал поистине большим театральным праздником на берегах Невы. Этот фестиваль, объединяющий соотечественников, живущих за рубежом, с каждым годом отличается все более высоким уровнем и более широкой географией.

Весь путь фестиваля - это путь к осознанию самоценности русской культуры, сохранению русского языка, это восстановление понятия театр-дом. В афише - спектакли, посвященные 65-летию Победы, и спектакли, поставленные к 150-летию со дня рождения А.П.Чехова. К сожалению, мне не удалось посмотреть все спектакли, так как они шли параллельно на разных сценах.

Открылся фестиваль «Дядей Ваней» А.Чехова Одесского Русского драматического театра (режиссер-постановщик Алексей Литвин, художественный руководитель постановки Леонид Хейфец, см. также рубрику «Фестивали»).

Драматургия Чехова дает возможность для различных толкований. «Чехов неисчерпаем потому, что несмотря на обыденщину, которую он будто бы всегда изображает, он говорит всегда... не о случайном, не о частном, но о человеческом с большой буквы», - говорил К.С.Станиславский.

Режиссеры отказались от новаторства и в способе существования актеров, и в оформлении спектакля, который являет пример хорошего русского традиционно-реалистического театра в лучшем смысле этого слова. Художник Григорий Фаер создал обжитой интерьер с очень симпатичными деталями быта, которые все работают - дымящийся самовар, плетень, бочки с водой, медный таз, графинчик на столе. Все это создает вместе с прозрачным музыкальным оформлением легкую, поэтическую, теплую атмосферу.

Режиссеры не идеализируют чеховских героев, а стремятся раскрыть всю сложность их характеров и помыслов. Дядю Ваню играют по-разному, но в большинстве случаев как рефлексирующего интеллигента, как трагедию несостоявшейся судьбы, как задавленного жизнью, а зачастую даже жалкого человека.

В одесском театре Юрий Невгомонный играет дядю Ваню очень картинно и театрально. Он - позер, и практически весь первый акт фиглярничает (вспомним фразу Астрова: «Ты нормален, ты просто шут гороховый»). И образ его становится однозначным. Есть во втором акте хорошие сцены, когда он рвет книги Серебрякова и тихо шепчет: «Пропала жизнь», и в финале искренне, с болью говорит Соне: «Если бы ты знала, как мне тяжело...»

Очень хорошая работа у Сергея Полякова. Он играет Астрова без лишних внешних приспособлений и эффектов, без наигрыша, умеет замечательно молчать и слушать, внутренне проживая все происходящее.

В спектакле вообще слаженный актерский ансамбль.

Татьяна Коновалова играет Елену Андреевну очень серьезно, умно. Увлекшись Астровым и замучившись с мужем, она не справляется со своими эмоциями. Она вся в томлении, и все ее молодое тело, больше, чем слова, говорит о желании, она хочет этой любви и боится ее. Светлана Горчинская создает образ Сони в развитии - от веселой, порывистой, улыбчивой юной девушки до почти мертвой, окаменевшей в финале, похожей на раненую птицу.

Русский драматический театр им.А.П.Чехова из города Кишинева показал самую большую и самую сложную чеховскую пьесу. Спектакль «Вишневый сад» серьезный, тщательно выстроенный режиссером Ильей Шацем с уважением и доверием к автору. Чехов тоже платит доверием. В спектакле смешано все - и традиционная размеренная интонация, поэтическая условность, неспешность, паузы и режиссерское озорство. Если «Чайка» - «пять пудов любви», то в последней пьесе Чехова никто никого не любит, никто никого не понимает, никто никого не слышит и не хочет слушать и никто ни с кем не общается.

Очень интересна Раневская - Корнелия Шанцовая. Ее порочность сквозит во всем - в фигуре, в изломанных движениях, в улыбке, в глазах. Но есть в ней и ощущение беды, спрятанное за налетом беспечности, которая уходит в сцене ожидания приезда Лопахина с торгов. Чувствуется, как дрожит ее душа, в финале у нее разрывается сердце, когда Гаев - Геннадий Зуев не может вытащить ее из уже проданного дома, а она из последних сил цепляется за остатки своей разрушенной жизни.

Константин Харет играет Лопахина ярко, но грубовато, как эдакого увальня от сохи, с обезьяньей походкой, забыв, что Лопахин рос при господах и у него «душа артиста и тонкие пальцы». Замечательна сцена после торгов, когда он стоит спиной ко всем и тихо говорит, что это он купил вишневый сад, и плачет вместе с Раневской, а потом грубо целует ее в губы, сам не понимая, что он делает, и не веря в случившееся.

Очень необычен Петя Трофимов - Юрий Андрющенко. Яркий, громогласный, умный, эдакий будущий троцкист или эсеровец. Очень трогателен Фирс - Сергей Тиранин, смешная Дуняша - Марианна Дроздова, флиртующая со всеми подряд, включая Лопахина, обаятельна и наивна Аня - Марина Стишок.

Спектакль ансамблевый, динамичный.

Русский драматический театр им. М.Горького из Астаны показал «Иванова».

Мне показалось, что режиссер Александр Каневский не искал причины, почему Иванов такой, а показал результат. Перед нами Иванов - Сергей Матвеев, который уже давно «мертв». Главное, что он играет, - это безразличие, скука и одиночество, к сожалению, актер пользуется почти одной краской. Герой Матвеева не вызывает сочувствия. Он никого не любит - ни себя, ни жену, ни даже Сашу (Светлана Фортуна), а просто, как человек безвольный, не может противиться агрессивному напору молодости. Выросшая в мелкой, пошловатой среде, Саша и сама не избавилась от ее налета - развязна, напориста, даже нагловата.

На мой взгляд, доктор Львов Романа Чехонадского - лучшая актерская работа спектакля. Прямолинейный фанатик, он любит Сарру, но очень деликатно.  Думается, что назначение на роль Сарры Натальи Матвеевой - самый большой просчет режиссера. Когда смотришь на красивую актрису, пышнотелую, краснощекую, веселую, не очень верится, что она тяжело больна физически и духовно, и ее совсем не жалко.

Иванова окружают люди в массе своей равнодушные, ленивые, не способные любить и ненавидеть по-настоящему. Почти каждый в отдельности смешон, жалок и несчастен.

Погряз в пьянстве либерал  Лебедев - Виктор Житков, все понимающий и стыдящийся своей серой, бездуховной жизни под пятой хищницы-жены (Наталья Косенко); циничен приживал граф Шабельский - Николай Макаров; пошловат невежда, мелкий мошенник и фантазер Боркин - Иван Анопченко.

Тема одиночества и бессмысленного существования человека, лишенного веры, что  рождает страшную апатию, - основная тема спектакля, звучащая очень актуально.

Режиссер Алексей Лелявский из Минского национального драматического театра им. М.Горького сочинил спектакль про театр, который принял в свою цирковую труппу потерянную незадачливым хозяином Каштанку. Очень хороша Каштанка - Елена Стеценко, простецкая, бесшабашная плебейка, смелая и самостоятельная.

В спектакле соединены условность и психологизм. Живые обаятельные актеры играют с ужасно созданными куклами, актеры более убедительны, когда работают без них. К сожалению, режиссер не выстроил действие, хотя в спектакле заложено много возможностей, он не нашел точный театральный язык. Что это? Театр кукол или драматический театр? А когда еще действие сопровождается церковными песнопениями, это коробит и выглядит просто кощунственно. И все-таки приключения очаровательной Каштанки-Стеценко возвращают нам память о детстве, повествуя о добре и верной дружбе, которые могут и должны объединить всех живущих на земле людей - маленьких и взрослых.

Комедию «Горе от ума» А.Грибоедова поставил в Вильнюсском русском драматическом театре, единственном профессиональном театре Литвы, играющем на русском языке, его художественный руководитель Йонас Вайткус. Видно, что это спектакль литовского режиссера - ему присуща метафоричность на грани сюрреализма. Прежде всего в изображении массовки, которая почти все время находится на сцене и практически является одним из главных действующих лиц спектакля: в ней все с перекошенными лицами подслушивают, подглядывают, уродливо шипят, как змеи, то и дело выпуская жало. Массовка - это агрессивная молва.

«Горе от ума» игралось на большой сцене театра-фестиваля «Балтийский дом», и актеры не только очень хорошо обыгрывали это необъятное пространство, но и по ходу действия выходили в зал.

В спектакле интересные, неожиданные актерские работы. Прежде всего Чацкий - Валентин Новопольский. Молодой, совсем мальчик, очаровательный, импульсивный, страстный, для него Софья - единственное, что существует не свете. В очень современной Софье - Юлии Крутко соединены самоуверенность, жесткость, резкость, полное равнодушие к Чацкому и откровенная влюбленность в Молчалина - Вячеслава Лукьянова.

В литовском спектакле, идущем в стремительном ритме, очень пластично выстроены мизансцены, звучит прекрасная русская речь, актеры хорошо читают стихотворный текст.

Финал неожидан и, конечно, спорен - Чацкий и Софья соединяются и напоминают влюбленных Ромео и Джульетту.

Профессиональный репертуарный театр из Берлина «Русская сцена», основанный в 2006 году, верен традициям русской театральной школы и является одним из центров русской культуры в Германии.

«Маленькие трагедии» А.С.Пушкина режиссер Инна Соколова-Гордон поставила как  философское исследование жизни, страстей, характеров. Сюжеты плавно переливаются друг в друга, все они - о смысле жизни. На сцене всего четыре актера, перед которыми поставлена задача сверхсложная - каждый играет несколько ролей. Актеры пластичны, они меняются местами, костюмами, за секунды перевоплощаясь из одного образа в другой, причем в каждом добиваются разнообразия. Очень большая нагрузка легла на плечи Светланы Лучко, играющей все женские роли - Дону Анну, Лауру - и некоторые мужские. Андрэ Мошой играл Лепорелло, Дона Карлоса, Альбера, Вадим Граковский - Сальери, Дона Гуана, Скупого, Председателя. В начале и в конце спектакля мощно звучит «Реквием» Моцарта.

В спектакле неназойливо соединены условность и реальность, и прежде всего в интересной сценографии - шахматный пол, на заднике колесо судьбы, каждый поворот которого перекидывает действие из одной трагедии в другую. Три деревянных креста функционально используются по ходу действия - на них висят красный и черный камзолы Моцарта и Сальери, под ними скрываются золотые монеты, которые вытаскивает и разбрасывает Скупой.

Молодежный театр Узбекистана из Ташкента - постоянный участник фестиваля «Встречи в России». Его художественный руководитель Наби Абдурахманов в своем творчестве никогда не шел по легкому и простому пути, и обращение к сложнейшей философской пьесе Питера Шеффера «Эквус» еще раз это доказывает.

Впервые пьеса была поставлена Абдурахмановым в 1988 году в его студии «Дард» (в переводе с узбекского «боль души»), затем она ставилась и возобновлялась в 1998-м и 2008-м. Нынешний спектакль решен необычно для почерка режиссера - жестко и лаконично, причем во всех компонентах. Главным героем этого страшного повествования о юном конюхе Алане Стренге, ослепившем гвоздем шесть лошадей, которых считал свидетелями своей мужской неполноценности, является врач-психиатр Мартин Дайзерт в прекрасном исполнении Альберта Халмурзаева. История Алана - Обида Абдурахманова - это история духовной болезни мира, в котором он живет. С детских лет он создал в душе своего бога, идола, кумира - коня Эквуса. Герой достоверен - нервный, издерганный, неуравновешенный, его преступления - бунт против нормы.

Сложнейший психологический поединок между ним и его лечащим врачом Мартином  Дайзертом играется актерами жестко, ярко и страстно и подчеркивает, насколько современна эта пьеса. «Эквус» - безусловно новый этап в творчестве талантливого режиссера.

Спектакли, посвященные 65-летию Победы в Великой Отечественной войне, наиболее эмоционально воздействовали на зрителей.

Режиссер, драматург, сценарист Риккардо Соттили, возглавляющий во Флоренции Театральную компанию «Оккупационе Фарцеске», давно сотрудничает с Театром-фестивалем «Балтийский дом», осуществляя с ним совместные постановки. В этом году он представил на суд зрителей свою пьесу «Возвращенная весна» - пронзительную историю о случайной (а может быть и нет) встрече на далеком, быть может, и не существующем в реальности полустанке - пожилого итальянца (Лино Спадаро), участника давно прошедшей войны, и русской женщины (Наталья Нестерова). Эта встреча - воспоминание о прежней любви.

Она хочет уехать искать свою старую любовь на Запад, он - за тем же самым - на Восток. Мимо проносятся, не останавливаясь, поезда, на которых вместо номеров - годы войн последних лет - Афганистан, Сербия, Иран...

Спектакль во многом построен на метафорах, поэтому зрителям оставляется возможность домысливать, кто эти двое. Те самые, которых некогда война разбросала в разные стороны, или одни из многих, таких же. Спектакль очень тихий, лирический, задушевный.

Режиссер Илья Боровицкий, организатор театра «Товарищество актеров», рожденного в Израиле в городе Ашод в 2003 году, создал моноспектакль по мотивам книги С.Алексиевич «У войны не женское лицо». Актриса Александра Комракова скромными, скупыми средствами сумела окунуть нас в прошлое. Актриса на сцене одна, но возникает ощущение, что сцена заполнена девушками-бойцами. Актриса успевает рассказывать, накрывать на стол, наливать чай, собирать чемодан, трогательно поглаживать красивые белые туфельки, которые она берет с собой на войну. Органично сыграны переходы из одного времени в другое. Война - страшные воспоминания о первом выстреле в немецкого офицера или об окруженном карателями партизанском отряде, в котором была женщина с плакавшим грудным ребенком - ей пришлось утопить его в болоте, чтобы спасти отряд. Александра Комракова ведет свой рассказ, длиною в человеческую жизнь, мягко, неспешно, без пафоса.

«Играем Чонкина» по роману-анекдоту В.Войновича Киевского академического театра драмы и комедии на левом берегу Днепра явился заключительным и сильным аккордом фестиваля.

Авторы инсценировки и режиссеры Александр Кобзарь и Андрей Саминин и художественный руководитель постановки, основатель и бессменный руководитель театра Эдуард Митницкий создали веселое, яркое и трогательное действо с совершенно очаровательным, рыжим, веснушчатым Чонкиным - Виталием Салием, покорившим всех.

Каждый год в рамках фестиваля создаются спектакли, в которых участвуют молодые актеры из стран СНГ и Балтии, приезжающие в Санкт-Петербург за две недели до открытия фестиваля и занимающиеся с педагогами по вокалу, актерскому мастерству и сценическому движению. В результате этой работы появилась вокально-пластическая композиция «Крик», посвященная 65-летию Победы, в которой молодые актеры из Узбекистана, Таджикистана и Эстонии, не знавшие войны, пропускают все события и песни военных лет через свое сердце. Второй их показ - водевили «Медведь» и «Предложение» А.П.Чехова в постановке В.А.Тыкке.

В рамках фестиваля также прошла Международная научно-практическая конференция «Русский мир - в поисках будущего», на которой выступили деятели культуры и политики России и стран ближнего и дальнего зарубежья, а также участники фестиваля.

Фото предоставлены пресс-центром Театра-фестиваля "Балтийский Дом"

Фотогалерея