Древневосточные сюжеты и вечные темы / Международный оперный фестиваль имени Ф.И.Шаляпина

Выпуск № 8-158 / 2013, Фестивали

В феврале 2013 года в Казани в тридцать первый раз прошел Международный оперный фестиваль им. Ф.И. Шаляпина - один из самых ценных культурных брендов Республики Татарстан.

Самый первый фестиваль, носящий имя великого певца, состоялся в 1982 году и в тот момент имел статус республиканского. Через три года он стал всероссийским. Первоначально в афишу входили исключительно спектакли шаляпинского репертуара: «Борис Годунов», «Фауст», «Русалка», «Князь Игорь», «Севильский цирюльник» и «Евгений Онегин». С течением времени программа обогащалась новыми постановками русской и зарубежной оперной классики. В 1991 году фестиваль приобрел статус международного, а сотрудничество театра с европейскими компаниями «EuroStage», «Impressariaat Ruud de Graaf» (Нидерланды), «Konzertdirektion Schlote» (Австрия) и длительные зарубежные гастроли способствовали признанию казанской оперы за рубежом. Нынешний исполнительский уровень фестиваля может быть сопоставлен с Зальцбургским или Байройтским фестивалями.

«Фестиваль изменил весь театр, - рассказывает об эволюции фестивального движения директор Рауфаль Мухаметзянов, - опытный менеджер и знаток современного театрального дела. - В театре остались базовые коллективы - хор, оркестр, кордебалет, но был упразднен институт главных специалистов и ведущих солистов. Это позволило рассматривать каждый новый спектакль как отдельный проект, на который приглашаются постановщики со всего мира. Вот уже много лет перед каждой новой постановкой осуществляется кастинг для того, чтобы выбрать лучших певцов, сформировать уникальный ансамбль исполнителей.

Нами была выбрана синтетическая художественная модель: с одной стороны, мы не боимся быть «музеем» и ставим классические спектакли, с другой, делаем современные, авангардные оперные постановки. В соответствии с современными требованиями все наши спектакли идут на языке оригинала».

Шаляпинский фестиваль имеет особое значение, и это осознают правительство Татарстана, министерство культуры, творческие организации республики. ТАГТОиБ им. М. Джалиля удостоен беспрецедентного гранта президента Татарстана Рустама Минниханова размером в 124 миллиона рублей, что позволит в будущем обогатить репертуар новыми классическими и современными операми, познакомить меломанов с мировыми звездами, прославленными исполнительскими коллективами, включая Лондонский симфонический оркестр.

На XXXI Международном оперном фестивале им. Ф.И. Шаляпина выступили 35 певцов и дирижеров из 9 стран мира: России, Италии, Германии, Украины, Канады, Польши, Румынии, Казахстана и Белоруссии. Всего же его участниками стало более 500 человек. Среди звезд фестиваля - прославленные певцы мировой оперной сцены, солисты ведущих театров России, ближнего зарубежья и Европы. Сишенг Йи, Георгий Ониани (Германия), Калин Братеску (Румыния), Владимир Мороз, Екатерина Сергеева, Евгений Уланов (Мариинский театр), Оксана Крамарева, Сергей Ковнир, Лилия Гревцова (Национальная опера Украины), Екатерина Егорова (Михайловский театр), Андрей Григорьев, Ирина Гелахова, Нурлан Бекмухамбетов (Москва), Альфия Каримова (Уфа), Нуржан Бажекенов (Алматы) и др. Фестиваль подарил немало открытий. В Казани выступила плеяда молодых талантливых исполнителей Мариинского театра Екатерина Шиманович, Сергей Семишкур, польская певица Анна Симинска. Спектакли прошли под управлением дирижеров Марко Боэми (Италия), художественного руководителя - директора Мариинского театра Валерия Гергиева, Аллы Москаленко (Украина), Айрата Ишмуратова (Канада), Владимира Васильева и Айрата Кашаева (Россия).

Шаляпинский фестиваль порадовал премьерами. Среди них - бессмертное творение Пуччини «Турандот». Это достаточно редкая «гостья» на оперной сцене, а в Казанском оперном театре она никогда не ставилась. Постановка «Турандот» осуществлена силами режиссера Михаила Панджавидзе (Москва), главного дирижера казанской оперы Рената Салаватова, новосибирского сценографа Игоря Гриневича, художника по костюмам Юлии Ващенко из Минска и хормейстера Любови Дразниной.

Постановщики представили публике грандиозный проект, впечатляющий своей масштабностью, зрелищностью и ассоциативностью режиссерских решений. Оперное действие наполнено символами, сближающими древнюю китайскую легенду с событиями наших дней. Противостояние народа и власти в лице китайского императора имеет явные аналогии с политической обстановкой современной России - с протестным движением молодых демократических сил против насилия, террора и коррупции.

Древневосточный сказочный сюжет, положенный в основу пьесы Карло Гоцци, в постановке Панджавидзе из трагикомической фьябы превращается в высокую трагедию с сильными характерами ее героев и жизненными ситуациями. Режиссер четко противопоставляет в оперном действии два мира: образы насилия, жестокости, гротеска и романтический мир любви, жизни и света.

Огромного психологического воздействия на зрителя достигают драматические сцены оперы: суровые хоры, массовые сцены, рисующие жестокие пытки невинных жертв, картина траурного шествия на казнь осужденного юного принца. Особого трагизма достигает кульминационная вершина оперы: сцена смерти Лиу, рабыни-китаянки, приносящей себя в жертву своему чувству во имя спасения Калафа. Данная сцена из третьего действия завершается хоровым трагическим реквиемом - это лучшие проникновенные лирические и, одновременно, экспрессивные страницы оперы.

Сумрачным колоритом овеяна неповторимая сценография Игоря Гриневича (это последняя талантливейшая работа ушедшего мастера), рисующего многоярусный роскошный дворец китайского императора, тонко стилизованные в восточном стиле сторожевые башни, превращающиеся по ходу действия в изящные воздушные пагоды, украшающие территорию дворца. По замыслу сценографа, в «Турандот» использованы сложнейшие трехмерные декорации, воссоздающие неповторимый облик дворцовой архитектуры древнего Китая. Таких величественных, грандиозных декораций не встретишь и в лучших оперных театрах мира, включая La Scala в Милане. Световая гамма оперы отражает ее драматическую окраску (художник по свету - Сергей Шевченко, Москва). Оригинальный видеоряд придает объемность сценическому пространству спектакля, рисуя перед зрителем красоты Пекина в древние сказочные времена.

Костюмы героев ассоциируются с экипировкой древнекитайских воинов. Мужской (в прямом смысле) костюм Турандот со сверкающим шлемом на голове, брюками, заправленными в высокие сапоги до колен и четко геометрические пропорции костюма, обхваченного широким кожаным поясом с императорским гербом - все это весьма далеко от женственных кимоно, доминирующих в большинстве постановок «Турандот» в том числе и постановке 1959 года с Марией Каллас в роли Турандот (La Scala). Выразительные костюмы остальных героев не нарушали, в целом, художественной стилистики спектакля.

Выверенным и убедительным оказался роскошный состав исполнителей. Принц Калаф - Ахмед Агади (Мариинский театр), принцесса Турандот - Оксана Крамарева (Национальная опера Украины им. Т. Шевченко), Лиу, молодая рабыня - Лилия Гревцова из Национальной оперы Украины, Тимур, отец Калафа - Сергей Ковнир (Украина), Альтоум, китайский император - Рустем Айзатуллов (ТАГТОиБ им. М. Джалиля) и др.

Украшением спектакля стали Ахмед Агади, Оксана Крамарева и Лилия Гревцова. Одухотворенностью была проникнута партия Калафа у Агади, его страстная ария превратилась в апофеоз любви и произвела истинный фурор на казанской сцене. Величественный образ недосягаемой китайской принцессы создала киевлянка Оксана Крамарева, уже исполнявшая два года назад эту партию в Норвегии. Трогательная и жертвенная Лиу предстала перед нами в исполнении Лилии Гревцовой, поразившей тонкостью нюансировки и глубокой музыкальностью в изумительной по нежности и красоте партии рабыни-китаянки.

Дирижировал спектаклем Айрат Ишмуратов, наш земляк, ныне проживающий в Канаде и гастролирующий по миру как дирижер и кларнетист. Он сумел донести трагический нерв сложного противоречивого сочинения итальянского мастера, сосредоточив главное внимание на музыкальном развитии образов Калафа, Турандот и Лиу. Поразило объемное звучание оркестра, хора и замечательных солистов в кульминационных сценах (к примеру, в шествии на казнь персидского принца, реквиеме - прощании с Лиу) и тончайшей звукописи в кантиленных эпизодах, связанных с лирико-драматической линией Лиу и Калафа (это два ариозо Лиу, обращенные к принцессе).

Яркие страницы «Турандот» связаны с хоровыми сценами. Последняя опера Пуччини наиболее богата колоритными хоровыми сценами, напоминающими мощные хоровые ораториальные фрески или народные динамичные сцены в русских операх, а также тончайшие акварельные хоровые эпизоды в сцене загадок Турандот (второе действие) или в арии Калафа, в которой хор за сценой завороженно вслед за принцем повторяет редкую по красоте тему любви.

Содружество постановщиков «Турандот» Рената Салаватова и Михаила Панджавидзе оказалось успешным, благодаря глубокому прочтению музыки Пуччини. В целом, спектакль оставляет двойственное впечатление несмотря на то, что творческие задачи в постановке «Турандот», обозначенные перед театральной труппой, оркестром, хором и солистами, выполнены. Современная постановка «Турандот» далеко не однозначна, и причина этого кроется в незавершенности, недосказанности сюжета о жестокой и загадочной «принцессе смерти».

Сюжет оборвался на полуслове, и вся концепция произведения разрушилась, как карточный домик. Финал, каким бы он ни был, необходим в опере.

В письмах к своим либреттистам Пуччини настаивал на трансформации центрального женского образа, требовал «раскалить любовную страсть Турандот, которую она столько времени тушила под пеплом своей великой гордыни» (Пуччини Дж. Письма. - Л. 1971). Этого зарождения у Турандот чувства прекрасной любви, разбуженной пламенной страстью Калафа, зритель не увидел. А также не услышал органичного финала - этой великой сцены любви, где Турандот из непреклонной, жестокой принцессы преображается в нежную женщину с любящим сердцем. Опера заканчивается трагической сценой, в которой народ оплакивает смерть Лиу, а отец Калафа предрекает народу беспросветное будущее...

Вторым премьерным спектаклем на XXXI оперном фестивале им. Ф.И. Шаляпина была «Аида», поставленная одним из лучших оперных режиссеров современности Юрием Александровым, лауреатом премий «Золотая Маска» и «Золотой софит». Он всего за три недели сумел создать красивый, зрелищный, глубокий и жизненно достоверный спектакль, не передвигая, как это сейчас модно, персонажей действия во времени и пространстве. Верди создал «Аиду» в жанре «большой» оперы с масштабными сценами победных шествий, ритуальных действий, с массовыми сквозными сценами и развернутыми полифоническими ансамблями. Все это эффектно и вместе с тем органично отражено в спектакле Ю. Александрова. Но главный акцент пришелся на внутреннее психологическое раскрытие динамичных конфликтных образов Аиды, Радамеса, Амнерис, Амонасро, а также на соответствие музыкальной драматургии вердиевской оперы сценическому решению.

В интервью перед премьерой Юрий Александров упомянул о художественных традициях русского психологического театра, которые он пытался переосмыслить в западно-европейской опере в плане достижения достоверной глубины характера персонажей, правды чувств в выразительном, осмысленном пении актеров. Эта опера, по словам режиссера, о сильных страстях и подлинных переживаниях, о самопожертвовании и глубокой силе любви. Эти чувства девальвированы в наши дни. И поэтому режиссер стремился на сцене показать молодежи истинную силу и красоту любви, возвышающей человека. Исследователи, раскрывая творческий метод Юрия Александрова, отмечают его умение найти оригинальный ход сценического решения классики. «Ю.И. Александров - режиссер, воспринимающий музыку остро, зримо, часто неожиданно. Он ставит густо, щедро, безудержно - только успевай сценически осваивать» (Нора Потапова, Санкт Петербург).

В казанском театре появилась качественно новая «Аида», музыкально-сценическое действие которой родилось непосредственно из авторской партитуры, благо разобраться в тонкостях оркестровых голосов Юрию Александрову, как музыканту, не сложно. Дирижер Марко Боэми с Ю. Александровым открыли все купюры, и мы услышали новые страницы вердиевского шедевра, впервые исполненного в полном авторском варианте. Появился детский балет в исполнении учащихся Казанского хореографического училища, заново поставлены все экзотичные балетные сцены и выразительные ансамбли пантомимы (балетмейстер - Ирина Шаронова).

Дирижер из Италии Марко Боэми, полный моторики и экспрессии, свободно управляет оркестром, добиваясь ансамблевого строя и красоты звучания струнных и духовых инструментов. В руках Боэми живой «дышащий» оркестр через две мощные кульминации неумолимо идет к финалу трагедии - гибели Аиды и Радамеса, оставшихся верными своей любви и возвысившимися над смертью.

Успех «Аиды» предопределен вкладом каждого из трех основных постановщиков - дирижера, режиссера и художника. Это аналогичный случай, о котором говорил величайший дирижер современности Юрий Симонов: «Никаких приоритетов власти в настоящем оперном творчестве быть не должно. Все трое (дирижер, режиссер и художник) должны быть в равных правах и в конечном итоге (по окончанию периода постановки) - удовлетворены результатом своей совместной работы. Только при таких отношениях, когда все три мастера, разделяя взгляды друг друга, делают все возможное, чтобы максимально полно выявить общую идею спектакля, только такой альянс может стать творчески плодотворным, гарантирующим появление шедевра» (Черкавская Т. «Дирижер - первый артист в оперном спектакле!» // Музыка и время, 2012, № 1).

Третьим мастером в процессе постановки стал художник-постановщик и художник по костюмам Виктор Герасименко из Москвы. Творческим единомышленникам, режиссеру и художнику удалось найти убедительное пространственно-изобразительное воплощение образной идеи спектакля о могучей силе любви. На сцене предстал утонченно-суровый Египет фараонов - колыбель древней мудрости, родина завораживающих культов, экзотических пирамид, иероглифов и жестоких жреческих законов бытия. Зрелищные, с преобладанием золотисто-коричневых и белых оттенков, стильные декорации и роскошные костюмы героев соответствовали исторической эпохе Древнего Египта и египетской мифологии с характерным обожествлением почитаемых животных: быка, льва, шакала, змеи, кошки, птиц - сокола, ибиса, каждый из которых символизировал одного или несколько верховных богов. Ряд сцен украшали мифологические статуи древнеегипетских богов: Анубис с копьем из царства мертвых с головой шакала, изящная богиня радости и веселья Баст в виде женщины с кошачьей головой и богиня неба Хатор, родившая солнце, изображенная как женщина с рогами коровы.

Впечатляли тронный зал во дворце фараона в Мемфисе (первое и четвертое действия), храм бога Ра в ритуальной сцене посвящения у алтаря (вторая картина первого действия), сценическое оформление сверкающей площади в Фивах в сцене триумфа Радамеса (вторая картина второго действия) и живописная ночная картина священного Нила в третьем действии. Колоритная сценография «Аиды» обогащена неисчерпаемыми возможностями компьютерной графики (видеопроекции Даниила Герасименко).

«Аида» была сильна актерским составом, здесь блистали великолепные голоса: Аида - Оксана Крамарева (Украина) и Екатерина Шиманович (Мариинский театр), Радамес - Ахмед Агади (Мариинский театр), Амнерис - Юлия Герцева (Италия), Рамфис - Михаил Казаков (Большой театр России, ТАГТОиБ им. М. Джалиля) и др. На роль Аиды Ю. Александров пригласил двух певиц с редкими по силе и красоте голосами. Молодая солистка из Мариинки Катя Шиманович была очень органична в этой роли, достоверно передавая противоречивые оттенки характера дочери эфиопского царя. Мощный вокал Е. Шиманович не имеет технических преград, а ее красивая интонация убедительна в передаче лирики и драматических чувств. Оксана Крамарева - более зрелая певица с широким оперным репертуаром, сумела раскрыть разноплановую палитру чувств своей героини и наполнить ее мелодической роскошью голоса. Сценическая стать Юлии Герцевой и мощная вокальная энергетика создали царственный облик Амнерис, достойной соперницы Аиды. Ахмед Агади, прекрасно вписывающийся в титульную партию Радамеса, восхитил публику красотой интонирования и органикой чувств народного героя - победителя, попадающего по воле судьбы в трагические жизненные обстоятельства.

Живой, мобильный хор создавал общую атмосферу оперного действа (хормейстер - Любовь Дразнина), насыщенного сквозным развитием хоровых и оркестровых голосов, а также неповторимых по мелодической красоте вердиевских ансамблей. В целом, художественно-исполнительский уровень «Аиды» был очень высок и выделялся среди фестивальных спектаклей.

В афишу XXXI фестиваля вошли оперные шедевры западно-европейского и отечественного искусства «Аида», «Евгений Онегин», «Турандот», «Кармен», «Мадам Баттерфляй», «Риголетто», «Травиата», «Борис Годунов», национальная современная татарская опера «Любовь поэта» и подарок казанским меломанам от питерцев - «Дон Кихот» Массне в исполнении солистов, хора и оркестра Мариинского театра под управлением Валерия Гергиева.

В «Борисе Годунове» все с нетерпением ждали появления Владимира Огновенко (США). В связи с болезнью певца произошла замена. В титульной партии Бориса выступил Михаил Казаков. Зрители увидели новую глубокую интерпретацию царя Бориса. Талант молодого артиста в полной мере раскрылся в этой сложнейшей (в вокальном и актерском плане) работе. Перед зрителями предстал многогранный образ русского царя Бориса - властного, мятущегося, безмерно страдающего, растерянного, раскаявшегося и гибнущего от невыносимых душевных мук... К Михаилу Казакову пришла творческая зрелость, способствующая постижению бессмертных ролей мирового оперного репертуара, в которых некогда блистал сам Федор Иванович Шаляпин.

В ряде спектаклей порадовали блестящие актерские составы. В «Мадам Баттерфляй» мы видели самую утонченную среди вокалисток исполнительницу Чио-Чио-сан - китаянку Сишенг Йи из Германии. В партии Пинкертона был заявлен Георгий Ониани. В «Кармен» был задействован достойный яркий дуэт, выделившийся среди других составов - Анжелина Швачка из Украины (Кармен), Калин Братеску из Румынии (Хозе), с которым соперничает на равных Ахмед Агади в этой же партии.

Органично вписалась в афишу Шаляпинского оперного фестиваля татарская современная опера Резеды Ахияровой «Любовь поэта», завоевавшая в 2008 году национальную театральную премию России «Золотая Маска». Зрители увидели трогательную, щемящую повесть о несбывшейся любви поэта, написанную мелодичным красивым национальным, и в то же время, современным языком, близким и понятным широкой аудитории. Это глубоко психологическая постановка о любовной драме гениального поэта татарского народа. И здесь был утвержден апробированный, сложившийся состав актеров с известными именами исполнителей главных ролей: Ахмеда Агади (Тукай) и Альфии Каримовой (Зайтуна).

Эпидемия гриппа в Казани внесла свои коррективы в исполнительские составы фестивальных опер. Неравноценная замена, судя по всему, произошла в «Риголетто»: вместо заявленного Бориса Стаценко из Германии в титульной партии выступил Юрий Ившин, по-видимому спасавший положение и не раскрывший в полной мере мощную энергетику образа Риголетто с точки зрения вокального мастерства и подлинного драматизма одной из самых сложных ролей оперного репертуара.

Неудачным оказался шедевр русского оперного стиля «Евгений Онегин», поставленный в прошлом году Михаилом Плетневым и Михаилом Панджавидзе. Мы помним, сколько похвал выпало на долю этого замечательного спектакля в премьерные дни. Через год мы «Онегина» не узнали, спектакль разваливался на глазах и более всего удручала музыкальная составляющая оперы. Возможно, в этом была вина молодого дирижера Айрата Кашаева, не сумевшего достичь единого контакта с солистами оперы, хором и оркестром. На роль Татьяны была утверждена Виктория Ястребова (Мариинский театр) - обладательница легкого, подвижного сопрано серебристого тембра. Но ее голос, к сожалению, «потерялся» в пространстве объемного зрительного зала, и мы не смогли ощутить очарование образа Татьяны, партия которой требует драматической глубины и вокальной экспрессии. К творческим удачам можно отнести исполнение Михаилом Казаковым партии Гремина, Сергея Семишкура (Мариинский театр) - Ленского, Екатерины Сергеевой (Мариинский театр) партии Ольги.

Вспоминая дирижеров фестиваля, можно выделить как яркую темпераментную личность итальянского маэстро Марко Боэми, которому подвластна музыка разных эпох, творческих направлений и национальных школ. Из двух молодых дирижеров, ангажированных на Шаляпинский фестиваль, предпочтительнее Айрат Ишмуратов (Канада) - широко образованный музыкант с большим творческим потенциалом.

В заключительные фестивальные дни были даны два гала-концерта, познакомивших казанскую публику с артистической молодежью Академии молодых певцов Мариинского театра. Публика оценила дарование молодых певцов Марии Баянкиной, Екатерины Сергеевой, Екатерины Морозовой, Марии Соловьевой и Гелены Гаскаровой, представивших оригинальный, «незапетый» репертуар с новыми наименованиями и трактовками. Менее интересными оказались, на мой взгляд, обладатели мужских голосов: бас - Михаил Колелишвили, тенор - Дмитрий Воропаев и др. Андрею Серову удалось покорить публику своим искрометным комическим дарованием, с блеском проявившемся в двух хитовых ариях из «Любовного напитка» (Дулькамара) и «Севильского цирюльника» (дон Базилио).

Завершился XXXI оперный фестиваль им. Ф.И. Шаляпина знакомством с неизвестной, причем, даже профессионалам, оперой Массне «Дон Кихот», которую Федор Иванович Шаляпин в 1910 году прославил на сцене Большого театра своей гениальной интерпретацией образа печального Рыцаря. «Дон Кихот» был показан в исполнении солистов, хора и оркестра Государственного академического Мариинского театра (более 250 человек) под управлением Валерия Гергиева. Мариинский театр известен дирижерско-центристским направлением, продиктованным политикой замечательного дирижера Валерия Гергиева. Это театр оркестра и певцов. «В Мариинском постановка создается как бы сама по себе - декорации, мизансцены, свет и прочее. Актеры вставляются в эту раму по мере их присутствия на данный момент. Существенно меняют характер спектакля и дирижеры» (Нора Потапова).

И в данном случае первую скрипку в спектакле вел Валерий Гергиев как главный интерпретатор музыкального содержания оперы. Оркестр в «Дон Кихоте» был превосходного качества, он возвышал наивную, добрую, бесконфликтную музыку Массне о вечных ценностях бытия и красоте человеческой души.

Фотогалерея