"Голоса истории". XII Международный театральный фестиваль в Вологде

Выпуск №1-171/2014, Фестивали

«Голоса истории», состоявшиеся в Вологде с 24 июня по 2 июля, - один из немногих в стране фестивалей-долгожителей, который проходит раз в два года на протяжении вот уже 23 лет. Он отмечен двумя существенными особенностями: спектакли отбираются в соответствии с темой - «историческая», и часть из них должна проходить в стенах Вологодского Кремля под открытым небом.

Разумеется, те, которые эстетически совсем не вписываются в условия историко-архитектурной среды, играются на площадках двух вологодских театров. Но в целом оба принципа остаются незыблемыми на протяжении всей жизни фестиваля и только на первый взгляд могут показаться легко выполнимыми. На самом деле трудности подстерегают экспертный совет уже на стадии отбора, когда строгое следование тематике фестиваля в идеале должно сочетаться с не менее строгим требованием профессионального уровня спектаклей. Не всегда этот баланс удается сохранить.

Призванный представить зрителю отражение на театральной сцене исторических событий, эпох, их влияния на жизнь общества и отдельных личностей, фестиваль, на наш взгляд, является еще нешуточной проверкой и для самих театров. История, традиционно воспринимаемая нами как «дела давно минувших дней», соединяется с искусством театра, существующим «здесь и сейчас». И только живой театр в состоянии представить не музейный экспонат, а современный взгляд на историю, ее осмысление сквозь призму нашей действительности.

Фестиваль «Голоса истории» при таких традиционных для него составляющих, как обширная география участников, высокий уровень организации, очень живо проходящие обсуждения спектаклей коллегией критиков, неизменно теплые актерские вечера в Доме актера и несомненный зрительский ажиотаж, в 2014 году отличился еще целым рядом неоспоримых достоинств. Первое и главное - практически безупречная афиша. Одна из лучших за всю историю фестиваля, она при соответствии тематике включила в себя и необычный для вологодского форума формат московских театров Театра doc. и «Практика», и достойную молодую режиссуру российской провинции, и творчество признанных мастеров, и два оперных (впервые!) спектакля - «Князь Игорь» московской «Новой оперы» и «Ростовское действо» Московского академического камерного музыкального театра им. Б.А. Покровского. В рамках «Голосов истории» прошел мастер-класс Елены Греминой, от Союза театральных деятелей РФ работал семинар театральных критиков под руководством Ирины Холмогоровой. Фестиваль продемонстрировал редкое для форумов такого масштаба наличие внутренней драматургии, когда смысловой вектор и некая сквозная тема, заданные уже первыми спектаклями, находят продолжение и развитие в последующих.

Мощным прологом фестиваля стала «Ксения. История любви» Российского государственного академического театра драмы им. А.С. Пушкина (Александринки) в постановке Валерия Фокина. Участие петербуржцев стало возможным благодаря Федеральному центру по поддержке гастрольной деятельности при Министерстве культуры РФ. С июня этого года центр реализует масштабную программу «Большие гастроли. Театральное лето 2014». Главная цель проекта - представить зрителям российских городов лучшие образцы современного театрального искусства. И в случае с Вологдой эта цель, безусловно, достигнута. Спектакль Валерия Фокина задал тот уровень профессионализма, который собственно и должен определять место фестиваля на театральной карте страны.

«Ксения. История любви» была сыграна на открытой площадке Консисторского двора Вологодского кремля. По признанию самого режиссера, он поставил здесь новый спектакль. Рожденный из того, что идет на родной сцене, но иной. Открытый воздух, потрескавшийся кирпич стен и арок, купола Софийского собора, постепенно темнеющее, уходящее в ночь небо, ставшие частью этой природной сценографии, шум и дыхание самой жизни, невозможные ни в каком помещении, - все это сделало историю прижизненных скитаний и посмертных явлений святой Ксении Петербуржской, необыкновенно «дышащей», осязаемой. Казалось, сама погода - пасмурная, ветреная, переменчивая, к финалу дождь - та самая, без которой невозможно представить себе Петербург, играла вместе с актерами эту суровую и очень питерскую пьесу Вадима Леванова.

Трудно представить себе более символичное начало «Голосов истории», чем этот спектакль, где события виртуозно протянуты через время - от XVIII века до наших дней. Время становится одним из действующих лиц. Его вихрь проносится по сцене буквально: вихрями разновременных толп наших сограждан, живших раньше и живущих теперь, от вельмож и бродяг XVIII века, сквозь очередь у питерских «Крестов» в известные годы, до наших современников, врывающихся на сцену под песню сегодняшнего поп-кумира Димы Билана. В противовес проносящейся массовке аскетичность существования Янины Лакобы в роли Ксении, ее внешняя статичность при мощном внутреннем посыле сливаются с неподвижной монументальностью древних стен. Времена проносятся мимо них, они остаются в вечности. И все же при всей своей неизбежной сакральности, при всей многослойности смыслов «Ксения» остается именно историей любви, в которой жертвенность не подвиг, а естественная потребность.

Удивительно органичным продолжением этой темы и самой линии жития русских святых стал спектакль «Петр и Феврония Муромские» московского экспериментального театрального центра новой драмы «Практика». История непростого строительства семейного счастья муромских князей, описанная Ермолаем-Еразмом в XVI веке, на сцене оказалась начисто лишена ожидаемых пафоса и житийной монотонности, а стала, по сути, занимательным и познавательным театральным уроком для всей семьи. Урок этот очень изящно сделан режиссером Светланой Земляковой и столь же изящно разыгран молодыми артистами. Школьная доска, две парты, актеры в гимназических костюмах, и актрисы в темных платьях с кружевными воротничками. Вот и весь антураж. Этот спектакль с редчайшим по нынешним временам «легким дыханием» существует по правилам игры, в которой артист на сцене не перестает быть артистом, а только периодически примеряет на себя образ, повествуя о нем от третьего лица, но присваивая себе его эмоциональный посыл. Здесь много юмора, здесь играют старославянским выговором и церковной распевностью произносимых фраз, подручными предметами и собственным гардеробом, интонацией и подтекстом, но во всем этом очевидна суть совсем не романтической истории о том, как многотрудно и постепенно рождается любовь. Та самая любовь, когда одна душа на двоих, когда умирают в один день и даже после смерти остаются вместе. Отсюда и серьезный финал, даже не финал, а постскриптум, в котором актрисы Арина Маракулина и Инна Сухорецкая в платочках, как в церкви, блестяще пропевают-излагают, не сводя глаз с нот на пюпитре, уже без всяких шуток, по канонам молитвы весь только что сыгранный перед нами сюжет. И тем самым воздается должное тому настоящему, истинному пониманию счастья, ради чего, собственно, они и затеяли свою игру.

Наверное самым неожиданным в афише «Голосов истории 2014» стало появление московского Театра.doc. Оба представленные им спектакля - «150 причин не защищать Родину», сыгранный в первые дни, и «Вятлаг», закрывший драматическую программу (было бы точнее сказать, что «Вятлаг» - совокупное произведение нескольких театров: драматической лаборатории Кирова - Санкт-Петербурга и Театра.doc), стали камертоном невольно возникшей сквозной темы фестиваля - личность и государство. «150 причин не защищать Родину» - рассказ о дне взятия Константинополя турками, поставленный Еленой Греминой по собственной пьесе. Рассказ, состоящий из множества реплик реальных исторических лиц - свидетелей событий, включая такие ключевые фигуры, как византийский император Константин и турецкий хан Мехмет. Рассказ, начинающийся с потрясающего эффекта шума времени, когда в полном молчании слышен только звук камешков, виртуозно перебираемых актрисами. Неожиданные звуки, шумы, рождающиеся из того, что есть на сцене, рассыпаны по всему спектаклю. Автор этой музыки - Дмитрий Власик. Но главная особенность спектакля в том, что абсолютно мужская политическая история рассказана женщинами: актрисы произносят текст то от первого лица, то от третьего, каждая за своих строго определенных персонажей. Диалоги, которых никогда не было, создают, тем не менее, хронику, в которой нет правых и виноватых, и у каждого своя правда. Эффект отстранения, неизбежно при этом возникающий, дает тот элемент объективности, который так важен при взгляде на исторические события. Но главное, что рождает это историческое многоголосье, - неутешительный вывод о неразрывной связи судьбы человека с судьбой государства.

Тема эта, возникшая в спектакле Греминой, отразится и в других спектаклях фестиваля. И в дюрренматтовской горькой иронии «Ромула Великого» в постановке Бориса Гранатова в Вологодском театре для детей и молодежи; и в жесткой исповедальности «документальной сказки» «Вагончик мой дальний» Березниковского драматического театра (режиссер Денис Кожевников поставил свой спектакль по инсценировке Ярославы Пулинович одноименной повести Анатолия Приставкина); и в надвременной перекличке Ричарда III с пушкинским Борисом Годуновым в «Шекспир Russkiy» (спектакль Якова Рубина в Камерном драматическом театре Вологды); и в магнитогорской мелодраме Алексея Данилова «Время женщин» по одноименной повести Елены Чижовой; и, наконец, в «Ричарде II» Вологодского драматического театра, где режиссер Зураб Нанобашвили вслед за Шекспиром размышляет о возможности идеального правителя.

Вологодские театры на фестивале в особом и не лучшем положении: они играют премьеры, когда все еще не устоялось и не сыграно много раз, как в случае с другими участниками. Но при этом возникшая тема фестиваля - человек и государство - ими поддержана. Премьеру «Ричарда II» давали у Пятницкой башни Вологодского кремля, которая стала неотъемлемой частью сценографии. Ночь, древние стены, по-английски сырая и холодная погода (у актеров изо рта шел пар) - все это совпало с атмосферой шекспировских исторических хроник. Впечатляет и сценографическое решение (художник-постановщик Виктор Рубинштейн): многоуровневая конструкция с подъемным блоком переносила зрителей то в подземелье, то в замок, то в сад.

От серьезных сокращений текста сюжет совсем не пострадал, а зрителям не пришлось сидеть до утренней зари. Ричарда II играет молодой артист Дмитрий Бычков. Если в начале спектакля его герой - избалованный вседозволенностью власти мальчишка, то ближе к финалу он превращается в поистине трагическую фигуру. Артист в лучших своих сценах обнаруживает склонность к редкому сегодня амплуа - неврастеник. Впрочем, это вовсе не спектакль короля и свиты. Уже на премьерном показе было ясно: в «Ричарде» несколько очень хороших актерских работ, а ведь не каждая труппа способна эту пьесу «поднять».

Конечно, «Ромул Великий» это и история, и не история; а если верить автору - «исторически недостоверная комедия». И в целом получилось интересное созвучие. Оба режиссера выбрали пьесы, где главные герои - правители, от действий (и бездействий) которых государство приходит в упадок: или его терзает внутренняя смута, или оно терпит военные поражения. На первый взгляд, эти правители - слабые люди, недостойные своих титулов. Но только на первый... Премьера «Ромула Великого» состоялась на родной сцене ТЮЗа. Картину разложения нравов Римской империи Борис Гранатов показывает, используя приемы и зрительные образы, понятные самому широкому кругу зрителей. В то время, когда армия германцев вот-вот возьмет Рим, обитатели виллы императора Ромула пьют вино и жарят шашлык на костре, подбрасывая в огонь ценные государственные документы. А военный министр Марес в спектакле - женщина, как и все окружающие ее солдаты, скорее желающие не воевать, а охотиться на мужчин... Вопрос в том, насколько далеко может зайти театр, желая показать падение вкусов и нравов, не заставит ли вдумчивого зрителя такая нарочитая безвкусица уйти в антракте.

Но второй акт совершенно иной. Артист Эдуард Аблавацкий без всяких эффектов раскрывает истинную суть императора Ромула - политика, готового пожертвовать собой, чтобы древняя империя, не приносящая счастья ее подданным, перестала существовать. Одновременно становится ясно, что Ромул любящий отец, искренне переживающий сначала прощание с дочерью, а потом ее гибель. Никаких стенаний, только попытка задержать слезы - он же император. Эмоции проявятся потом, в разговоре с победителем - германским князем, когда Ромул осознает, что его подданным грозит участь похуже прежней, а ему самому откажут даже в праве на смерть от руки врага.

Два спектакля, показанных на фестивале, посвящены теме сталинских репрессий. Они о том, как любовь и вера в человеческие ценности помогают выжить, сохранить душу в лагере. Время действия - военные годы, тяжелые не только для заключенных, но для всей страны. В «Вагончике моем дальнем» история первой, подростковой любви на фоне лагерной жизни, когда любовь запрещена, карается по законам военного времени (1943 год). Жанр избран очень сложный - документальная сказка, где жестокие реалии переплетены с чудесами (или с верою в чудеса). «Вагончик...» шел практически ночью в Консисторском дворе Кремля. И снова на долю артистов выпало нелегкое испытание - играть в сильный холод в летней одежде. В этом спектакле подкупает, прежде всего, искренность существования на сцене актеров Березниковского театра, в том числе молодых.

Спектакль «Вятлаг» поставлен и сыгран режиссером Борисом Павловичем по дневникам «простого советского заключенного» Вятлага латышского бухгалтера Артура Страдиньша. Один год, 1942-й, запечатлен на десятках маленьких папиросных бумажек, которые тщательно скрывались от охраны. Борис Павлович бережно берет их в руки и бесстрастно читает каждую. От этой бесстрастности возникает не только ощущение монотонности лагерной жизни (вернее, существования), но и крупнее - ужаса тех лет. На сцене рядом с Павловичем весь спектакль - актриса Евгения Тарасова. Она почти все время молчит, только иногда чистым высоким голосом поет латышские песни... И все это нет-нет, да и покажется связанным с политическими реалиями современной России.

И снова Консисторский двор Кремля - «Ростовское действо». Это действительно действо, старинное, библейское («мировая премьера» состоялась в Ростове Великом в 1702 году!) об истории Христа, о борьбе добра со злом в человеческой душе. Спектакль начался еще до того, как публика заняла свои места, персонажи в сценических костюмах ходили по двору Кремля, смешиваясь с толпой зрителей... Когда же на деревянном помосте началась битва семи добродетелей и семи грехов за душу человеческую, стало ясно: тема этой «рождественской комедии» - вневременная. И, может быть, неслучайно на небе в это время разыгрывалась другая драма - между черными тучами и золотыми предзакатными лучами солнца. Впрочем, в обоих сражениях был счастливый финал: силы зла отступили, а дождь не начался.

Фото из архива фестиваля

Фотогалерея