"Фестиваль, изменивший город" / Международный театральный фестиваль "Соотечественники"

Выпуск №8-178/2015, Фестивали

Юбилейный, десятый по счету Международный фестиваль русских драматических театров «Соотечественники» прошел в Саранске. Не нужно, кажется, ждать пристального взгляда историков будущего на наше последнее десятилетие для того, чтобы ощутить перемены, произошедшие в столице Мордовии. И дело не только в изменившемся до неузнаваемости облике города, хотя новые здания - главного корпуса Мордовского государственного университета имени Н.П. Огарева, Театра оперы и балета им. И.М. Якушева, Мордовского государственного национального драматического театра, открывшийся после реконструкции Музей изобразительных искусств им. С. Эрьзи - говорят сами за себя. Если добавить к этому еще несколько десятков культурных, образовательных и спортивных сооружений, новых и отреставрированных, - город действительно легко не узнать. Однако изменилась не только внешняя часть, изменились люди, и произошло это во многом благодаря культурным событиям города, одним из которых, в числе первых, является фестиваль «Соотечественники». По его зрителям, год от года посещающим фестивальные спектакли, по их реакции, по обрывкам фраз после выхода из зрительного зала, кажется, можно судить о произошедших переменах. Об этом на круглом столе, прошедшем в рамках юбилейного фестиваля говорили члены жюри, гости и организаторы. Председатель экспертного совета Наталья Старосельская: «Начиналось-то все как достаточно легкомысленная авантюра. Но спустя десять лет мы можем говорить о том, как этот фестиваль изменился сам, как он изменил жизнь города, и в этом нет высоких слов. На первом фестивале полных залов не было, люди еще не очень знали, что это такое, а сейчас - билеты раскупают за несколько месяцев до начала».

Что такое «Соотечественники»? Еще одна серьезная возможность обмена опытом для русских театров, оказавшихся отрезанными друг от друга после распада Союза. Возможность для жителей Саранска увидеть далеко не худшие из современных постановок порой из самых отдаленных городов русскоязычного мира. Но не стоит забывать, что это еще и возможность роста для театра, на базе которого проводится фестиваль - Государственного русского драматического театра Республики Мордовия. Каждый год театр представляет на фестивале одну премьеру. С 2011 года, то есть с того момента, когда я впервые познакомился с этим театром, перемены с Русской драмой произошли значительные и, безусловно, - к лучшему.

В этом году хозяева показали «Поминальную молитву» Григория Горина в постановке Валентина Варецкого. Высокий ритм сопровождал спектакль с самого начала, с необычного и яркого танца, далекого от стилизации «под что-то еврейское» (режиссер по пластике, хореограф-постановщик Алишер Хасанов). Вечно кочующие люди, пританцовывая со своим нехитрым скарбом, дружно и весело восходили... на ковчег - большую часть заднего плана занимала плоская декорация, словно бы сбитый из досок забор со множеством окон, общее очертание которого действительно напоминало ковчег. Однако плоская и, возможно, излишне упрощенная декорация Елены Пиотровской лишний раз подчеркивала нелепость и несущественность сплетающихся на сцене комедии, которая вдруг во втором акте превращалась в драму, а к финалу вновь возвращалась к веселой шутке. Резкость и острота этих переходов были подстать новому и неожиданному образу Тевье-молочника, созданному Николаем Большаковым. Его Тевье - не просто рассуждающий, обращающийся к Богу деревенский мудрец, не мягкий человек с открытым сердцем. Его тепло и сердечность скрыты под суровостью характера, под мудрыми речами и цитатами из Писания, которые давно вылетают из его уст не иначе как заученной скороговоркой. Его характер - точно мозоли от каждодневного тяжелого труда, но только под ними - сердце чистое, любящее жену и дочерей. Жаль только, что режиссер своей композицией лишил персонажей этого самого труда, подарив им лишь его обозначение и музыкальный ряд (музыкальное оформление Сергея Каштанова) только в качестве прямой иллюстрации настроения той или иной сцены. Веселая сцена сватовства Лейзера-Вольфа (образ, до жеста выверенный и мастерски созданный Сергеем Адушкиным) к Цейтл (Каролина Качмазова) - значит, музыка должна быть веселой; трагическая сцена смерти Голды (Оксана Сизова) - значит и музыке быть грустной. Кажется, что такое очевидное и навязчивое иллюстрирование лишь мешает актерам, упрощает их задачу. Между тем, о каждой из работ можно было бы говорить отдельно: о простом Степане (Геннадий Арекаев), хранящем глубоко внутри, за семью печатями любовь к Голде, об Уряднике (Сергей Лопатников), чье истинное лицо покажется только к финалу спектакля, когда он будет трусливо отступать от толпы евреев и оправдываться исполнением приказа. О Мотле-портном, великолепно сыгранном Сергеем Самариным... в итоге о любом персонаже. Каждый новый фестиваль становится для Русской драмы своеобразным экзаменом, который театр сдает год от года лучше.

Открывал фестиваль спектакль Тбилисского государственного академического русского драматического театра им. А.С. Грибоедова «Холстомер. История лошади» в постановке Автандила Варсимашвили. Новая инсценировка, написанная режиссером по повести Льва Толстого, и композиция спектакля ни в чем не спорят со знаменитой постановкой Георгия Товстоногова, напротив, спектакль посвящается его памяти и памяти Евгения Лебедева. Аскетичное и почти пустое пространство сцены, в котором фантазией художника Мириан Швелидзе созданы несколько фантасмагорических конских привязей, вращающихся вокруг одной, центральной, напоминающей крест. Табун лошадей (Нина Калатозишвили, Медея Мумладзе, Нина Нинидзе, Мераб Кусикашвили, Анастасия Гарматюк и другие), заполняющий сцену, не нуждается в пространных речах или музыкальных номерах, - индивидуальность каждого и единство табуна переданы в спектакле через пластику и танец. Это своего рода вызов, контрапункт намеренно бытовому существованию людей (Васьки - Дмитрия Спорышева, Нестора - Георгия Зангури, Генерала - Михаила Арджеванидзе и других). Но это противостояние - лишь часть спектакля. На первом плане, конечно, история самого Холстомера, чей образ оказался по воле режиссера разделен на три возраста, три образа, созданных Валерием Харютченко, Иванэ Курасбедиани и Лашей Гургенидзе. В речах самого старшего из них, в исповеди и воспоминаниях Холстомера, замечательно сыгранного Валерием Харютченко, боль об ушедшем смешивается со светом молодости, вдруг озарившим старого мерина (или все же немолодого человека с палочкой?). Не таким важным кажется знаменитый текст про непонимание людского «мой, моя, мое» - он лишь включен в ткань воспоминаний старика, но не выделяется из них. Куда более важным для него оказывается потеря возлюбленной Вязопурихи (также разделенной режиссером на два образа в исполнении Людмилы Артемовой-Мгебришвили и Софии Ломджария). Но точно так же как пластика табуна спорила и в то же время соединялась с бытовым существованием людей, история Холстомера спорит и рифмуется с историей Князя Серпуховского (Апполон Кублашвили), потерявшего свою Матье (Мариам Кития). Едва ли можно забыть ссутулившегося Князя, уходящего от зрителя и волочащего за собой стул, его вскрик: «Матье!» и жест: Князь резко поднимает стул в воздух, держа его за одну ножку. Право, в этой сцене содержалось много больше, чем в моих словах, описывающих ее.

И к финалу спектакля понимаешь, что главное в этой истории - два старика: князь, потерявший любовь и память, не узнавший свою старую лошадь, и Холстомер, лишившийся жизни, но память сохранивший.

Назвать мое знакомство с Государственным академическим русским театром драмы им. М. Лермонтова (Алматы, Казахстан) иначе как удивительным сюрпризом нельзя. Театр не впервые участвует в этом фестивале, и в этом году он привез спектакль по пьесе Эрика-Эммануэля Шмитта «Отель двух миров». Запутанную и местами крайне надуманную фантастическую историю о загадочном отеле, постояльцами которого становятся люди, оказавшиеся на грани между жизнью и смертью, режиссеру-постановщику Игорю Гонопольскому удалось рассказать простым и живым языком. В написанном Шмиттом «безвоздушном» пространстве отеля, кажется, нет места ничему кроме продолжительных диалогов и кратких исповедей героев. Однако, шаг за шагом, встреча за встречей - благодаря замечательной актерской игре, режиссер доказывает, что жизнь возможна даже здесь, то есть за гранью самой жизни. Главный герой, новый «постоялец» - редактор спортивной газеты Жюльен Порталь (Антон Митнев) становится вдруг хорошо узнаваемым современным человеком, в меру праздным, в меру не ценящим время, отведенное ему на Земле, но тем не менее способным обрести свой смысл жизни в любви к вновь прибывшей в отель Лоре (Камилла Ермекова). Неизменное напоминание, обусловленное сюжетом: перед тобой не живые люди, а их души, находящиеся в ожидании приговора - вернуться к жизни на земле или же умереть окончательно, - это напоминание автора пьесы не добавляет объема персонажам, не делает их интереснее. Только искренние чувства той же Лоры, парализованной на Земле и обретшей в этом отеле способность ходить, искрящиеся счастьем глаза актрисы, отчаянная решимость в голосе - только это способно оживить пьесу. Яркие интонации Мага Раджапура (Сергей Уфимцев), его оценки и паузы, смены ритма в бесконечных диалогах с Президентом Дельбеком (Виталий Гришко), наделенным острым и взрывоопасным характером; искренняя и грубоватая простота уборщицы Мари (Наталья Долматова); даже показная сухость и отстраненность Доктора С. (Татьяна Банченко), «заведующей» этим отелем, - все это обретает смысл только в том случае, если перед зрителем по-настоящему искренние и талантливые актеры, прекрасно владеющие мастерством. В этом театре - именно так.

Кому-то будет грустно или тяжело после этого спектакля, кто-то уйдет с мыслью о ценности каждого мгновения, проведенного им на Земле, я же никогда не забуду только одного - мягких и светлых улыбок двух «ангелов» (на самом деле - Молодого человека и Молодой женщины в белом - Андрея Тарасова и Ирины Кельблер).

Удивили и два других спектакля фестиваля, совершенно разных по материалу и форме. Однако едва ли можно назвать это удивление приятным. Спектакль «Любовь и голуби» «Современного художественного театра» из Минска в постановке Сергея Ковальчика оказался неудачной попыткой переиграть известный всем фильм Владимира Меньшова (хотя режиссер и утверждал потом, что видел только отрывки из него). Острая хара́ктерность каждого из персонажей, преувеличенные оценки и бешеный ритм действия - все это напоминало скорее растянутый на два акта эстрадный номер (в худшем варианте современной эстрады), чем спектакль. Лишив персонажей Владимира Гуркина искренности и душевного тепла, оставив только внешние эксцентрические проявления, режиссер попытался превратить текст в череду реприз на фоне элементов советского быта. Единственным исключением стали несколько совершенно искренних сцен главного героя - Василия Кузякина (Сергей Савенков). Однако едва ли они смогли исправить общее впечатление от спектакля.

Второй постановкой в этом ряду стал спектакль «Пять вечеров» Тамбовского государственного драматического театра в постановке Николая Елесина. Кажется, что режиссер так и не определился ни с идеей постановки, ни со способом существования актеров. Ильин (Егор Неугасов) проводит весь спектакль буквально на одной ноте, невозможно понять, что вспыхнуло в нем от встречи с Тамарой (Евгения Карчевская), как он изменился после. Тамара же лишь в сцене первой встречи с Ильиным была нарочито строга и сдержана. Не пройдет и одного дня, как она вновь полюбит его, весь спектакль сведется к пустой мелодраме, а главной интригой станут вопросы: «Где же работает Ильин?» и «Узнает ли об этом Тамара?». Если добавить к этому густой быт с большим количеством предметов «примерно из той эпохи», большое количество условных обозначений (дверной проем, переходы из одной условной комнаты в другую и т.д.), то пять искренних и непростых володинских вечеров превратятся всего лишь в посредственный телевизионный сериал в пяти частях, который хочется поскорее забыть.

Главным и по-настоящему значительным событием фестиваля, на мой взгляд, стал спектакль «На дне» Белгородского государственного академического драматического театра им. М.С. Щепкина в постановке Валерия Беляковича. Ранее этот спектакль принимал участие в фестивале «Актеры России - Михаилу Щепкину» в 2013 году, и журнал уже писал о нем (см. «Страстной бульвар, 10», №4-164/2013), однако за прошедшее время спектакль необыкновенно вырос. Все его элементы, словно части механизма музыкальной шкатулки, окончательно собрались вместе, и, как во многих других спектаклях Валерия Беляковича, все действие оказалось подчинено сложному и тщательно организованному ритму. Удивительные по энергетике и силе монологи-исповеди всех главных персонажей: Актера (Игорь Ткачев), Сатина (Виталий Стариков), Барона (Виталий Бгавин), Васьки Пепла (Дмитрий Гарнов), Клеща (Николай Ильдиряков) и других - по сути не просто исповеди. Каждый такой монолог подкреплен всей тканью спектакля, сложной композицией из ритмических фигур на втором и третьем планах, у самого задника, где мерно отбивает шаг полицейский Медведев (Андрей Терехов), кружатся в белых платьях прекрасные Василиса (Эвелина Ткачева), Наташа (Вероника Васильева), Настя (Надежда Пахоменко), Девушки (Алена Беседа и Оксана Катанская) и другие, а Барон мягко, одной кистью дирижирует этим танцем... Ритм спектакля подобен набегу океанских волн, возмущенных бунтарем Лукой (Иван Кириллов), кажется, что лишь одним его гипнотическим голосом. Вот этот океан выносит на авансцену кого-то из героев, обнажая его, очищая от грязи и ила, осевшего на нем за время жизни «на дне», показывает истинное и человеческое лицо его. А сам готовит следующую волну: столкновение двух кружащихся птиц, сестер Василисы и Наташи. А потом еще одну: схватку Васьки Пепла и Костылева (Андрей Зотов), а потом... И так весь спектакль - на одном дыхании перед силой разбушевавшейся стихии.

Два оставшихся спектакля - «Мцыри» Московского театра Школа Драматического Искусства в постановке Константина Мишина и «Петлю» в постановке Светланы Враговой и Рустама Ибрагимбекова Московского театра «Модернъ» мне увидеть не удалось. Однако именно «Петлей» завершался фестиваль, а это значит, что в последний день фестиваля «Соотечественники», перед самым его закрытием в зале звучали слова и аккорды романса: «Мы Отечество не выбираем, потому что Отечество в нас», а зал стоя аплодировал актерам. Меня не было там, но я это знаю.

Конечно, город меняют люди, а не фестивали. Однако многих из них, от самых высоких государственных чиновников до простых жителей Саранска, можно было встретить на спектаклях фестиваля за эти десять лет. И город стал другим.

Фотогалерея