Мажорное звучание севастопольских театров / Фестиваль "ТОН"

Выпуск №2-192/2016, Фестивали

На карте огромного событийного театрального фестивального пространства России появилась еще одна точка - Фестиваль севастопольских театров «ТОН». Забегая вперед скажу, что уже в следующем году он, несомненно, станет фестивалем крымских театров, а возможно, и всероссийским. А пока что такой «скромный», локальный статус объясняется «пробой пера» Севастопольского (самого молодого на сегодняшний день) отделения Союза театральных деятелей РФ. И в данном случае интересна его предыстория.

Началом этого большого театрального праздника стал Международный день театра этого (!) года (восклицательный знак здесь не случаен, обратите внимание на то, сколько времени прошло от идеи до ее воплощения). К этому дню три драматических театра Севастополя решили подготовить и провести общий театральный праздник. В течение трех дней театры «Ломали комедию», представив зрителю три водевиля в постановке художественных руководителей театров: Григория Лифанова (Севастопольский академический русский драматический театр им. А.В. Луначарского), Людмилы Оршанской (Севастопольский Театр юного зрителя) и Юрия Маковского (Драматический театр имени Б.А Лавренёва Черноморского флота РФ). В итоге, коллективы решили продолжить такую удачную традицию совместного творчества и решили провести фестиваль. И дали ему название «ТОН» - «Театр О Нас». Задавали ТОН на І фестивале севастопольских театров лучшие постановки уже названых театров и Севастопольский академический театр танца под руководством Вадима Елизарова.

Идея фестиваля была поддержана председателем СТД РФ Александром Калягиным, который и выразил надежду, что в будущем фестиваль станет площадкой для серьезного творческого проекта - Всероссийского театрального фестиваля, тем более, что одной из целей, которую преследовали организаторы, было раскрытие возможностей и потенциала Севастополя как площадки для серьезного творческого проекта, каким и может в будущем стать этот театральный праздник.

В составе жюри была театральный критик, заведующая Кабинетами национальных и драматических театров СТД РФ, ответственный секретарь Гильдии режиссеров России Марина Корчак; театральный критик, доктор филологических наук, профессор, заслуженный работник высшей школы РФ, заведующий кафедрой истории, философии, литературы ГИТИСа Андрей Ястребов; педагог по сценической речи, кандидат искусствоведения, доцент кафедры сценический речи ГИТИСа Ирина Автушенко; театральный менеджер, начальник Отдела региональных и межрегиональных программ СТД РФ Ирина Антонова.

В его афише была представлена русская и зарубежная классика. Среди авторов значились М. Горький, Ф.М. Достоевский, Н.В. Гоголь, П. Бажов, А.Н. Островский, П. Мериме, Б. Шоу. Каждый театр представил по две постановки, как премьерные, так и те, которые уже несколько сезонов в репертуаре.

Открыли театральный праздник луначарцы внеконкурсной комедией «Троянская война окончена!» по произведениям Еврипида в Античном театре древнего Херсонеса, погрузив жюри и зрителей в неповторимую атмосферу древнейшего театра, в котором декорации были созданы много веков назад, но где до сих пор сохраняется магия минувших времен.

Севастопольский ТЮЗ представил драму М. Горького «Васса Железнова» и сказку «Хозяйка медной горы» по произведениям П. Бажова.

Автор сценической версии и режиссер-постановщик «Вассы Железновой» Семен Лосев сохранил стилистику драматурга, а героев, не следуя современной театральной моде, оставил в привычной для них обстановке, не перемещая их ни во времени, ни в пространстве (художник-постановщик Татьяна Карасева). Обращаясь к нашему разуму и сердцу, авторы спектакля и исполнители расставили четкие метки, что такое хорошо и что такое плохо. Вот только добра и надежды на то, что этот мир все-таки не обречен, так мало.

На сцене - интерьер большого дома с достатком, где никто ни в чем себе не отказывает и все живут в пресыщении и праздности. Все. Кроме несгибаемой железной леди Вассы в исполнении заслуженного деятеля искусств Украины Людмилы Оршанской (диплом «Лучшее сценическое воплощение женского образа»). Она - стержень семьи и ее фундамент. Но вот парадокс: в ее стремлении обеспечить будущее детей, уберечь их от зла, она сама для них становится... злом. Воистину благими намерениями вымощена дорога в ад. Когда-то на что-то не обратила внимания, что-то пропустила, от чего-то отмахнулась. В итоге, благополучия нет и не может быть в доме, где муж (Александр Костелов) растлевает малолетних; брат Прохор (Александр Безродный) - тунеядец и пьяница, не брезгующий служанками, и доводящий их до петли; старшая дочь Наталья (Юлия Грушун, специальный приз жюри - творческая командировка) составляет компанию родному дяде и в выпивке, и в кутежах. И только один светлый человечек - Людочка - вызывает зрительское сочувствие. Младшая дочь Вассы в исполнении Екатерины Александриной (диплом «За лучшую женскую роль второго плана») - тот единственный светлый росточек, который пытается выжить и сохранить то немногое хорошее, что все же есть в этой семье, но его все время безжалостно обрывают.

История Вассы и ее семьи - вечная история взаимоотношений разных поколений. За сто лет человеческая природа ничуть не изменилась, а потому до сих мы не побороли (и вряд ли поборем) ни пьянство, ни похоть, ни чувство наживы, ни желания урвать побольше, ни беспощадных законов бизнеса и т. д. Меняются только декорации.

Но даже не это, пожалуй, главное. Самый сильный посыл - наше безбожие. Ни в одном поступке героев, ни в одной их мысли нет Бога. И если тайком Васса и перекрестится на силуэт маковки, это больше похоже на самоуспокоение, нежели на искреннюю веру. Как еле угадываются наверху крест и маковка, так еле угадывается в их безжизненных душах память о Боге.

Эта постановка в репертуаре уже несколько сезонов, но интерес к ней не снижается, во-первых, потому что тема, как уже говорилось, достаточно актуальна и на сегодняшний день, во-вторых, имя Горького сегодня не так часто встретишь на афишах, а в-третьих, приходят, конечно же, на любимых актеров. И должна сказать, что спектакль с годами только крепнет. Появляются новые акценты, некоторые работы становятся глубже и приобретают новые оттенки и нюансы, как, например, роль секретарши Анны, «домоправительницы» Железновых в исполнении Елены Воронцовой.

В постановке «Хозяйка Медной горы» режиссер заслуженный деятель искусств АРК Ольга Ясинская сказки Павла Бажова «Медной горы хозяйка», «Малахитовая шкатулка» и «Каменный цветок» объединила сказателем Прокопьичем (Виктор Куклин), от которого главная героиня Катя (Елизавета Бессокирная), а вместе с ней и маленькие зрители, узнают историю загадочной и трагической любви мифической хозяйки Медной горы (Мария Безродная) и Степана (Матвей Черненко) и слышат легенду о каменном цветке неземной красоты.

Перевести сказательный язык Бажова на язык сценический очень сложно. Попытка воспроизвести уральские говоры не совсем удалась, поскольку чрезмерное «оканье» было сложным для восприятия, и многие реплики остались «нераспознанным», но в то же время этот недостаток компенсировался стилизованными под аутентичные костюмами и ярким оформлением, передающим атмосферу подземного царства (художник-постановщик Татьяна Карасева), танцами (хореограф Виктория Шевчукова), авторскими песнями Ирины Кузнецовой и юмористическими, в чем-то скоморошьими образами Васи и Феди, созданными Олегом Карасёвым и Валерием Александриным и привнесшими шутливую нотку в постановку.

Безусловное достоинство этой сказки и в том, что она не только знакомит маленьких зрителей с бытом и культурой уральского региона, но главное, учит юных зрителей (а старшим напоминает), что только умеющему глядеть сердцем раскрывают свою душу и люди, и даже камни. Именно таким, умеющим видеть сердцем, и оказался Данила-мастер (Данил Высоцкий). Скажу больше, пришло понимание, что Каменный цветок и есть душа Хозяйки, которую Данила сумел «расколдовать», освободить и спасти от извечного заточения.

Создать волшебство на сцене - задача не из легких и подчас просто невыполнимая по причине элементарного отсутствия технических возможностей для воплощения смелых художественных решений. И вдвойне ценно, когда при очень скромных средствах театру удется сотворить чудо, создать красивейший каменный цветок и показать театральные «фокусы», например, с появлениями хозяйки Медной горы и ее перевоплощениями в ящерицу.

Севастопольский академический русский драматический театр имени А.В. Луначарского представил две премьерных комедии - «Доходное место» А.Н. Островского и «Дядюшкин сон» по Ф.М. Достоевскому.

Самым «урожайным» на дипломы по итогам фестиваля стал спектакль «Доходное место» в постановке главного режиссера театра Григория Лифанова (диплом «За режиссерскую приверженность русскому психологическому театру»).

К проверенной временем драматургии А.Н. Островского нынче обращаются все чаще и чаще. Одни ставят классически, ни на шаг не отступая от текста и создавая на сцене эпоху века ХIX, другие осовременивают, придумывая всевозможные костюмные и оформительские варианты, экспериментируют с гримом, музыкой и т. д., а третьи удачно сочетают стилистику Островского с современными разного рода «вкраплениями». Именно такой вариант нам и представили севастопольцы.

Постановка костюмирована по всем классическим законам. Пожалуй, только с мужским гримом и прическами поэкспериментировали и подчеркнули некую гротесковость спектакля и привнесли визуальную свежую современную юморную нотку.

На первый взгляд, на сцене создан интерьер «офиса» ХІХ века, в котором обитает «офисный планктон» века минувшего: столы-конторки коричневого дерева, стулья, по центру - огромный в два - два с половиной человеческих роста стол с выдвигающимися ящиками, символизирующий вершину чиновничьей карьеры. Выстроенные от низкого к высокому столы, за которыми служащие постоянно скрипят огромными перьями, - это ступени той карьерной лестницы, которую мечтают пройти, и как можно быстрее, все, попадающие в это «царство», а разновеликая высота стульев - занимаемое каждым персонажем комедии положение (художник-постановщик Наталья Лось, диплом «Лучшее сценографическое решение»). Жаль только, что через какое-то время об этом приеме забыли и стали использовать мебель, не придерживаясь ее первоначального «значения».

Актерский ансамбль чиновников живет как один цельный организм: все его составляющие в унисон дышат, пишут, ходят, одинаково оценивают разные ситуации (удивляются, огорчаются, злорадствуют за неудачу коллеги и т. д.), живут в одном ритме и темпе. Но при этом каждый выполняет четко поставленную задачу: один, например, все время носит куда-то бумаги (этот «цикличный» образ чиновника на побегушках в исполнении Сергея Колокольцова «задает» темп всему первому действию), другой время от времени достает или кладет в большие выдвижные ящики бумаги, разыгрывая по ходу мини-спектакли, которые в какие-то моменты даже отвлекают от главных сюжетных сцен. Например, когда карьерист Белогубов (Евгений Чернорай) держит доклад перед старым чиновником Акимом Акимычем в исполнении заслуженного артиста Украины Анатолия Бобра (действие происходит наверху стола): с одной стороны, и послушать их хочется, но с другой, под ними происходит просто захватывающее действо с попытками все-таки достать до ящика, с залезанием друг другу на плечи и т. д.

Образ прожженного чиновника Акима Акимыча (и мы понимаем, что далеко не безгрешного) получился и трогательным, и до боли в сердце трагичным в сцене, когда над ним откровенно издеваются подчиненные чиновники и переодевают его в «барыню». Анатолий Бобер тут неподражаем, поскольку мастерски сыграл собирательный образ человека, который боится потерять место, быть пониженным по службе или попасть в немилость начальству, а потому, хотя и понимает неприкрытые издевки, но сознательно позволяет над собой глумиться.

А как по-современному звучит тема браков по расчету, которые пытается устроить своим дочерям Юлиньке (Татьяна Сытова) и Полине (Анастасия Жаднова) Фелисата Кукушкина. Эту роль заслуженной артистки Украины Людмилы Шестаковой (диплом «Лучшая женская роль второго плана») уверенно можно назвать бенефисной. Каждый раз она уходила со сцены под аплодисменты, ярко иллюстрируя русскую Ярмарку Тщеславия, впрочем, ничем не отличающуюся от английской. Как филигранно актриса прожила авторский текст! Ее монолог о том, как воспитывать мужей нерадивых и непонимающих, что нужно женщине, стал чуть ли не кульминацией спектакля. Как же радует маменьку смышленая Юлинька, последовавшая совету матери выйти за карьериста Белогубова, не гнушающегося ничем ради выгоды и денежной прибыли, и как же огорчает Полинька, искренне полюбившая Жадова (Евгений Овсянникова), старающегося жить по совести, взяток не берущего, верящего в идеалы и честность. Так и живут: одна дочь в роскоши и богатстве, другая - в нищете. А мать ведь плохого не посоветует: пожила уже на свете, покрутилась в обществе, законы его усвоила, кому, что и как сказать знает, дабы своего добиться.

Условно отрицательные персонажи получились ярче условно положительных (и очень немногочисленных): Жадов да Полинька, да, пожалуй, жена Аристарха Вышневского (заслуженный артист РК Николай Филиппов) Анна Павловна (Елена Василевич), тоже за «какую-то правду» все время борющаяся. Они, конечно же, чиновничье зло не победили (и никогда, судя по всему, Жадовы и К° зло не победят), но хотя бы попытались донести до нас, зрителей сегодняшних, что жить по совести все-таки правильней. Евгению Овсянникову в роли Жадова «переиграть» матерых взяточников, подхалимов и мастеров интриг было невозможно, и борьба с «ветряными мельницами» изначально была обречена на поражение, но он подкупает неподдельной искренностью и верой в свою правду (читай - правду Божьих законов).

Совершенно противоположная по стилистике и атмосфере, хотя в чем-то перекликающаяся по теме, была постановка Василия Сенина «Дядюшкин сон».

Такой депрессивной и безысходной постановки не приходилось видеть уже достаточно давно. Мнения об этом спектакле можно услышать самые разные от полного неприятия до абсолютного восторга. Но как бы там ни было, даже если спектакль не принимаешь, всегда можно найти положительные моменты. О них и скажу.

С чем поспорить трудно, так это с тем, что постановка красива «на взгляд», даже пеньки, ставшие итогом всех происходящих драматических событий вплоть до окончания жизни (пенек уже сам по себе символ отсутствия оной), которые в трех действиях по-разному размещались в пространстве, обозначая разные места действия. Красивы световые и цветовые подсветки (свет Сергей Мартынов), причудливые фантасмагорические белые волны (сценография Натальи Лось), потрясающие по красоте и сложносочиненности (или сложноподчиненности) конструкций парики и костюмы (костюмы Фагили Сельской). Все это создает ощущение театра-праздника.

Поймала себя на мысли, что Москалёва заслуженной артистки Украины Нателлы Абелевой - это та же Кукушкина из «Доходного места» несколько лет спустя, если бы ей так и не удалось выдать дочерей замуж. Москалёва уже практически больна навязчивой мыслью. Ей уже впору отказать в наличии рассудка, поскольку именно она доводит чуть ли не до самоубийства свою дочь Зину (Елена Василевич).

После подготовки зрителя к появлению немощного старого князя, проведенной Мозгляковым (Александр Порываев), имеющим виды на Зину, появляется сам Князь К. (заслуженный артист Украины Виталий Таганов, диплом «Лучшая мужская роль»), виртуозно катающийся на... одноколесном велосипеде. И потом он не единожды еще проедется по сцене, показывая чудеса эквилибристики, параллельно не забывая «изобразить» немощь и потерю памяти. И закрадывается подозрение, что не Москалёва с Мозгляковым правят бал, а дядюшка ведет какую-то свою достаточно странную игру.

В какой-то момент, когда князь выходит в венке из полевых цветов, возникает прямая ассоциация со сценой сумасшествия Лира (надо полагать, что дядюшка сходит с ума?). Но тут же он проявляется как здравомыслящий и рассудительный человек.

Яркой по форме получилась острокомедийная роль Фарпухиной в исполнении Ольги Лукашевич. За мерзавцем Мозгляковым интересно наблюдать, все время ожидая какой-то новой пакости. А королевой на сцене, конечно, была Нателла Абелева. Актриса очень разноплановая, которая нашла в себе внутренние ресурсы даже для такого «клинического случая».

В каждой актерской работе есть какая-то изюминка, есть интересные находки, нюансы. Но все на сильном надрыве, в такой душевной темноте и беспросветности, что под общим впечатлением от спектакля по его окончании хочется как можно быстрее выйти на свежий воздух. Ф.М. Достоевский не относится к жизнерадостным и светлым писателям. Но не до такой же степени! Право режиссера ставить так, как он «прочитывает» произведение. Соглашаемся мы с этим или нет - это второй вопрос. Но как бы там ни было, режиссерская версия должна хоть как-то соприкасаться с литературным материалом. Иначе, не лучше ли высказаться о своем наболевшем в собственном произведении? Суммируя все вышесказанное и то, что осталось «за кадром», скажу, что для меня этот спектакль, к огромному сожалению, стал сном-затмением и сном-забвением и для героев, и для зрителей.

Драматический театр имени Б.А. Лавренёва Черноморского Флота РФ представил спектакль «Игроки» по Н.В. Гоголю в сценической версии, постановке и музыкальном оформлении заслуженного деятеля искусств РК Юрия Маковского (диплом «За верность реалистическим традициям отечественной режиссуры»).

Как отметили члены жюри, спектакль поставлен в эстетике Малого театра, с чем не могу не согласиться. Не претендуя на новое прочтение, театр воссоздал на сцене неповторимую фантасмогорическую атмосферу гоголевского произведения, его прекрасный русский язык. Для воплощения этой достаточно непростой задачи нужны были талантливые актеры, умеющие прочувствовать и «присвоить» гоголевский язык, которые в этом театре, к счастью, есть.

Стильная сценография Ирины Куц представляет интерьер комнаты с полупрозрачной фронтальной стеной, из которой сначала появляется Аделаида Ивановна (образ роковой колоды карт создала Ксения Громова), и за которой в финале мы видим компанию шулеров, залихватски мчащихся к новым финансовым победам. На сцене ничего лишнего - стол, стулья, вешалка для верхней одежды, в глубине небольшая тумбочка, окно да дверь.

Начало спектакля заворожило слаженностью и четкой выстроенностью передвижений по сцене приехавших Ихарева (заслуженный артист РК Геннадий Ченцов) и его слуги Гаврюши (Антон Ерёмин). В этом пластически (пластика Евгения Черникова) выстроенном куске сразу простроены все основные качества главного героя: осторожность, боязнь всего и вся, хитрость, подозрительность и даже в какой-то степени неуверенность в себе, которая на время его покидает, когда он начинает «свою игру». Одним словом, все то, что отличает настоящего шулера, тем более имеющего в своем дорожном саквояже кругленькую сумму. Но когда на сцене появляется тройка главных героев - Утешительный (заслуженный артист РК Андрей Дзубан), Кругель (Максим Шпаковский) и Швохнев (заслуженный артист РК Илья Домбровский, специальный приз жюри и творческая командировка), начинается настоящая круговерть: шумные, обаятельные, песни поют, на гитаре играют (и делают это вживую на сцене), цыганочку танцуют. Все делают вместе и одновременно вплоть до закидывания ноги на ногу, что характеризует их как слаженную команду, один цельный организм, где у каждого «органа» своя функция. Ну как не поддаться этому обаянию и не раскрыть «все карты»? Актеры это делают очень легко, как по сценарию (в принципе, по таковому и работают). Все в этой троице есть: живость ума, артистизм, «душевность», «искреннее участие» в судьбе другого и, конечно, умение играть. И что удивительно: перед нами шулера, обманщики, плуты и т. д., но не осуждаешь их, хотя и понимаешь, что это отрицательные герои, заслуживающие нашего отрицания такого поведения.

Спектакль удивительно ансамблевый, где и роли второго плана, как, например, Глова в исполнении заслуженного артиста России Бориса Талаха или Глова-младшего в исполнении Виталия Максименко, а также эпизодические, например Замухрышкина (заслуженный артист РК Вячеслав Земляной, диплом «Лучшая эпизодическая роль») или Петруши (Александр Науменко) являются равновеликими по значению. Кажется, убери хоть один элемент, и вся конструкция рассыплется.

Хореографические версии классических произведений «Кармен» по новелле П. Мериме на музыку Ж. Бизе и Р. Щедрина и «Пигмалион» по мотивам Б. Шоу в постановке народного артиста Украины Вадима Елизарова (диплом «Свой путь. Мы доказываем свою правоту тем, что созидаем») нам предложил Севастопольский академический театр танца, в труппе которого около 50 танцоров: обладатели Кубка мира по версии IDU, многократные чемпионы Украины среди любителей, чемпионы России среди профессионалов по бальным танцам.

То, что оба спектакля были яркими танцевальными шоу, не поспоришь. Красивые профессиональные танцоры, у которых каждое движение отточено, огромное количество массовых сцен и переодеваний. Одним словом, мы стали свидетелями двух запоминающихся праздников. Но если мы говорим о театральной постановке (а именно так заявлено в программке), то и судить будем по законам этого вида искусства.

В спектакле «Кармен» случилась, в принципе, предсказуемая вещь. Взяв за основу «Кармен-сюиту», у постановщика появилась необходимость дополнить ее иным музыкальным материалом, поскольку сюита длится около 40 минут, которых недостаточно для полноценного хореографического спектакля. В итоге, эти дополнительные музыкальные фрагменты так и остались «вставными», что было не только слышно, но и видно, поскольку драматический сюжет прослеживался только в классических частях.

Но посмотрев оригинальную версию «Пигмалиона», где авторы были вольны делать все, что посчитают нужным вплоть до изменения сюжетной линии, тут им не оказалось равных.

От произведения Бернарда Шоу осталось только... название да сюжетный ход «перевоспитания» главной героини. А так как все происходит на танцполе, то и превращение было немного иного рода. По версии театра, Хиггинс и Пикеринг стали Учителем танцев 1 (заслуженный артист Украины Александр Елизаров) и Учителем танцев 2 (заслуженный артист Крыма Александр Власов), а Элиза (заслуженная артистка Украины Наталья Иванова) - девчонкой, танцующей «хип-хоп». Новая фабула такова: превратить Элизу в благородную и изысканную леди, умеющую танцевать классику.

В ходе своеобразного танцевального баттла артисты получили истинное удовольствие от того, что они делают на сцене, а зритель наслаждался музыкальным материалом и любовался исполнительским мастерством танцоров в сольных и дуэтных номерах и синхронностью в массовых танцах. При этом четко прослеживался сюжет, не было ощущения «вставных номеров», действо смотрелось и воспринималось целостным спектаклем с внутренними конфликтами, простроенными в танцевальных номерах. Правда, мне как зрителю по драматургической линии немного не хватило процесса зарождения любовного чувства между главными героями (Наталья Иванова и Александр Елизаров отмечены дипломом «Лучший дуэт»). Как-то уж быстро у них все произошло.

* * *

Подводя итоги, участники фестиваля все как один говорили о том, что не ожидали такого серьезного и профессионального разговора (приз за лучший спектакль так и не был вручен). И поверьте, каждый коллектив с благодарностью выслушал критику в свой адрес. Если было за что похвалить - хвалили, но и все промахи, в том числе и недопустимые для профессиональных театров, отмечали. Прислушаются ли коллективы к этим советам, покажет время, но то, что в таком серьезном разборе постановок севастопольские театры нуждались уже давно, - бесспорно, поскольку много лет они не выезжали за пределы родного города. И только став полноправным членом Всероссийского театрального общества, для них открылись ранее недоступные возможности, в том числе и общения с профессиональными театральными критиками.

І Фестиваль севастопольских театров стал творческой лабораторией, где были даны мастер-классы Ирины Автушенко по сценической речи, на которые приходили не только актеры, но и режиссеры, что в очередной раз подтвердило необходимость расширения сотрудничества.

Будем надеяться, что этот фестиваль стал первым кирпичиком в основании возрождения некогда очень масштабного и многолетнего театрального фестивального движения в Крыму.

Фото предоставлены театрами

Фотогалерея