Закон песочных часов / I Региональный фестиваль «Время театра» (Сызрань)
Выпуск №3-213/2018, Фестивали
Много раз по пути в Самару рано утром поезд останавливался в Сызрани - и невозможно было налюбоваться из окна Волгой, а, отъехав от станции, дорогой по мосту, раскинувшемуся над рекой, словно море, по обе стороны поезда... И так хотелось остаться здесь, в этом купеческом некогда городе с множеством храмов, старинных особняков, щедрой зеленью, хотя бы ненадолго.
И вот судьба меня привела в Сызрань на Первый региональный фестиваль «Время театра», посвященный 100-летию Драматического театра им. А.Н. Толстого.
Необходимо сразу отметить отличную организацию фестиваля, несмотря на то, что он был первым едва ли не за всю историю существования театра. Заинтересованное «не по протоколу» внимание властей города ощущалось с первого же спектакля, на котором присутствовал Глава города Сызрани Николай Михайлович Лядин (он же завершал церемонию окончания) и руководитель Управления культуры Администрации городского округа Сызрани Ольга Витальевна Дидык (она не только смотрела все спектакли, но и присутствовала на обсуждениях), оргкомитет фестиваля во главе с директором театра Сергеем Владимировичем Салминым сделали все возможное, чтобы участники и гости чувствовали себя максимально комфортно, чтобы атмосфера была творческой и дружеской.
Гости были, в основном, из Волжского региона - театр «Дилижанс» из Тольятти, Мастерская «Доктор Чехов» из Самары, «Доктор Дапертутто» из Пензы, Русский драматический театр Республики Мордовия из Саранска и, конечно, Сызранский драматический театр. Участником издалека стал Датско-русский театр «Диалог» из Копенгагена, частый гость российских театральных форумов.
«Время театра» обозначено было в фестивале достаточно объемно, показав, что сегодня отечественное театральное искусство пребывает на некоем распутьи: режиссерская невнятность и необязательность тщательного прочтения классических произведений, отсутствие детального разбора, в некоторых случаях - и откровенный произвол, желание самоутвердиться за счет хрестоматийно известного произведения. Но и поиск новых форм, новых выразительных средств (далеко не всегда оправдывающих себя). И - неистребимая ни в каких экспериментах актерская природа, заявляющая о себе властно и сильно. Особенно остро ощущалась она в тех нескольких спектаклях, что были сыграны на сцене в непосредственной близости от зрителей, расположившихся здесь же.
Так, в спектакле мастерской «Доктор Чехов» «Металлолом» по пьесе Аллы Коровкиной, ею же и поставленной, в трех монологах героинь (актрисы, школьной учительницы и бывшей переводчицы с китайского языка, а ныне маляра), переплетающихся, наплывающих один на другой, перед нами раскрылись три сильных, ярких актрисы (Анастасия Ермилова, Елена Остапенко, Надежда Попова). Временами становилось совсем неважно, о чем они говорят, важно было как они проживают несложившиеся судьбы героинь, у которых ни в личном, ни в карьерном плане ничего, фактически, не получилось. Собранные в этом спектакле из разных театров, не объединенные одной школой, они существовали в ансамбле, несмотря на то, что в пьесе их жизни никак не переплетаются. Предпринятая Аллой Коровкиной-драматургом попытка рассказать о собственной жизни (о чем она сообщила перед началом спектакля зрительской аудитории), мягко говоря, не совсем удалась по вполне понятной причине: личные, даже глубоко выстраданные комплексы, очень сложно «дорастить» до художественного обобщения, вызывая у зрителей подлинное сочувствие.
Не удалось и режиссерское решение, что тоже можно понять: драматургу, воплощающему на подмостках собственное сочинение, слишком трудно от чего бы то ни было отказаться, даже если логика восстает против...
В условиях сценической площадки, объединившей артистов и зрителей, был сыгран и спектакль театра «Диалог» по пьесе П. Шеффера «Игра воображения». Поставленный режиссером из Польши Жанной Герасимовой и сыгранный двумя актрисами - Татьяной Дербенёвой-Якобсен (Летиция) и Александрой Блок (Шарлотта) - он поначалу буквально заворожил ярким, темпераментным существованием на маленькой площадке, естественным общением со зрителем Татьяны Дербенёвой, не забытой многими актрисой Московского театра Ленком, создавшей театр при Русском культурном центре Копенгагена. Но постепенно режиссер стала уводить действие от простого и во многом трогательного драматургического повествования Шеффера о силе Театра и его необходимости в сторону террористических актов, изготовления взрывных устройств и прочей «потребы дня». От этого спектакль получился невнятным, размытым в главном своем назначении и превратился в унылый диалог из последних телевизионных известий.
И еще один спектакль был показан на малой площадке - «Дневник Анны Франк online». Режиссер Наталья Кугель оригинально, хотя в чем-то и спорно выстроила сценическое повествование на стыках реального дневника погибшей во время Второй мировой войны девочки, ставшей известной всему миру, благодаря тому, что единственный выжившей из всей семьи отец Анны опубликовал ее дневник, и сегодняшней полемики издателей. Дневник существует в небольших фрагментах, безпафосно читаемых Отцом (Алексей Черкашин), между которыми идут яростные споры (тексты их взяты из Интернета) издателей: стоит ли сегодня снова переиздавать его? Ведь может возникнуть ощущение, что только евреи пострадали от гитлеровских идей «чистоты нации», а истребляли в лагерях людей самых разных национальностей. И вообще - насколько нужно сегодня возвращаться к давним временам?..
Эти стыки естественно перекликаются с современностью, в которой многие идеи фашизма находят актуальность - в самых разных странах, в том числе и в нашей, а потому спектакль прозвучал с той ярко выраженной гражданской позицией, которой так недостает отечественному театру сегодня. И только ли отечественному?
Спектакль «Дневник Анны Франк on-line» получил Гран-при фестиваля «Время театра», поскольку был единственным, заявившим во всеуслышание, что время это не только продвигается вперед и вперед, но и требует от режиссера, артистов, зрителей «остановиться, оглянуться», чтобы понять истоки наших сегодняшних проблем и, по возможности, попытаться поставить перед ними преграду. А преграда, воздвигнутая искусством, может и должна быть наиболее действенной, потому что пробуждает души...
Три спектакля были сыграны традиционно (сцена - зал) и вызвали ощущение некоторой схожести - не только по невнятности изложения, но и по режиссерской необязательности и отсутствию какого бы то ни было разбора характеров и взаимоотношений персонажей.
«Три сестры» А.П. Чехова театра «Дилижанс» (режиссер Виктор Мартынов) воспринялись как унылый и затянутый пересказ известнейшей пьесы, непонятно, во имя чего поставленной сегодня, хотя именно этим и влечет она многие театры - невымышленной современностью рассыпавшейся в прах жизни трех сестер и их брата, доктора Чебутыкина, барона Тузенбаха. Тем, что когда-то Г.А. Товстоногов назвал «атрофией воли», столь присущей отечественной интеллигенции сегодня. Единственным четко проявленным характером оказался в спектакле Василий Васильевич Соленый, сыгранный Дмитрием Кошелевым сильно и запоминающе.
Русский театр из Мордовии показал «Старшего сына» А. Вампилова, пьесу, уже давно вошедшую в анналы русской советской классики. Молодой режиссер из Санкт-Петербурга Игнат Кириллов не затруднил себя какой-либо концепцией, обозначив «время Вампилова» роскошными клешами Сильвы и Бусыгина, не поставив мизансцены двора, квартир Макарской и Сарафанова; решив включить в ткань спектакля ораторию Сарафанова (вопреки словам Нины, что за всю ее жизнь отец написал одну нотную страницу), выведя для этого на сцену оркестр откровенных бомжей, исполнивших некое вполне завершенное музыкальное произведение. Вопреки замыслу драматурга, Нина влюбляется в Бусыгина, едва успев его увидеть, поэтому ее жениху вообще нечего делать, его вполне можно было и сократить - благо, пьеса сокращена так, что только знающий ее едва ли не наизусть может догадаться о пропущенных в монологах и диалогах фрагментах. К слову сказать, самых важных для обрисовки характеров персонажей. Но даже в этих куцых, надерганных «с миру по нитке» условиях существования, по крайней мере, в двух эпизодах спектакля ярко выделился Алексей Тимин, играющий Сарафанова.
На закрытии фестиваля был сыгран спектакль «Интимные отношения» по пьесе самарского драматурга Александра Игнашова. Написанная по хорошо разработанному во многих (в основном западных) пьесах лекалу случайного возвращения человека в свое прошлое и осознание под влиянием некоего Ангела совершенных трагических ошибок, воплощенная главным режиссером театра Олегом Шаховым, она, скорее, выявила ошибки драматургии и постановки, нежели обретения. Странные декорации, не менее странные костюмы персонажей, неизвестно зачем висящие рядом с белыми ангельскими крыльями черные (ни разу не использованные), невнятность, какая-то необязательность характеров и взаимоотношений персонажей...
Единственное, что отметило жюри на обсуждении - оригинальная музыка Ии Новы (она же - актриса Мария Зинова, исполняющая главную женскую роль и зонги). К сожалению, ни одного слова в этих зонгах расслышать не удалось...
Итак, фестиваль завершился. Несмотря на многие отмеченные недостатки, произошло самое главное: он не только состоялся, но и показал желание и умение организаторов работать, неустанно доказывая, что время театра - величина постоянная, хотя и протекает оно, подобно песчинкам в песочных часах, которые необходимо (и это очень важно!) переворачивать.
Логотип фестиваля - оригинальные песочные часы - тому доказательство...
Фотогалерея
