Старейшие дают урок / VII Всероссийский фестиваль «Старейшие театры России в Калуге»
Выпуск №5-225/2020, Фестивали
Этот фестиваль, впервые заявивший о себе в 2002 году, осенью 2019-го проходил уже в седьмой раз. Его концепция проста: собрать раз в два-три года представителей старейших театров России, чтобы вместе понять, как и чем жить, какие направления развития выбрать. Как всегда, многое диктуют и финансовые возможности. Некоторые театры из дальних регионов организаторы, которые оплачивают все расходы гостей, просто не имеют возможности пригласить.
Тем не менее, география участников оказалась разнообразной. Десять дней, кроме хозяев, калужан, театры из Нижнего Новгорода, Тулы, Санкт-Петербурга, Пензы, Вологды, Астрахани, Костромы, Рыбинска, Твери, как правило, заслуженные, академические или награжденные орденами за долгую плодотворную деятельность, показывали спектакли на сцене Калужского драматического театра.
Театр на Литейном из Санкт-Петербурга открывал фестиваль спектаклем по пьесе Брайана Фрила «Отцы и сыновья», написанной по роману И.С. Тургенева «Отцы и дети». Мне довелось увидеть эту работу в прошлом сезоне на другом фестивале. Редкая возможность проследить, как она выросла за год. Появилась внутренняя энергия, актерские работы сложились в гармоничный ансамбль. Явственней обнаружилось столкновение героев, представителей совсем разных поколений и устремлений. Актеры свои роли развили, сделали более сложными, значительными.
Сцена перегорожена по диагонали легким занавесом, который помогает выделить то одно, то другое место действия (художник-постановщик Олег Головко). То это панцирная сетка на железной скромной кровати Базарова, над которой ученическая доска, где можно что-то писать мелом, то занавес откроет сцену во всю ширь - и это усадьба Кирсановых.
Слева большое скошенное окно, скамья. Пространство сцены становится площадкой, здесь сталкиваются интересы, политические взгляды, любовные предпочтения, человеческие амбиции.
Главное - характеры и взаимоотношения персонажей. Отдельные работы складываются в целостную картину общества, где за внешним благополучием - противоречия, сшибка интересов, взаимное недовольство, обиды, глубинное непонимание представителей разных социальных слоев и групп.
Евгений Базаров Ивана Рябенко ершист, насмешлив, независим, даже кажется равнодушным, ибо поднимается над мелочностью усадебного быта для решения проблем бытия. Его отношения к Одинцовой (Варвара Щербакова) - сложное, мучительное сочетание страсти и им самим придуманной и проповедуемой сдержанности. Базаров у Рябенко угловат, задирист, порой нелеп, но так искренен, что его смерть отзывается настоящей болью. Трогательны старики Базаровы: сухопарый и несколько восторженный Василий Иванович Александра Рязанцева и хлопотливая Арина Власьевна Ирины Лебедевой.
Антипод Базарова, сдержанно-надменный, с безукоризненными манерами Павел Петрович Сергея Гамова с невероятным артистизмом рисует образ джентльмена до мозга костей, старомодного и по-детски беззащитного в своем стремлении противостоять новому времени. Интересно решена прелестная Фенечка. Полина Воронова показывает путь, который проходит смущающаяся скромница к властной и надменной барыне.
Режиссер Сергей Морозов каждому актеру скрупулезно выстраивает партитуру роли, создавая на сцене выразительный ансамбль, за что и был награжден этот спектакль.
Государственный академический театр драмы имени М. Горького из Нижнего Новгорода представил хит прошлого сезона «Господа Головлевы» в постановке Искандера Сакаева. Весной на Тамбовском фестивале этот спектакль стал победителем во всех номинациях. Нынешнее жюри отметило постановку в целом «За высокое мастерство создателей спектакля» и исполнение Юрием Котовым роли Иудушки Головлева.
Это было зрелище театральное, убедительное, где режиссерское внятное и жесткое решение органично соединено с актерскими работами. В черном пространстве сцены вертикальные деревянные щелястые щиты. Сквозь них иногда пробиваются лучи света. Черная труха на полу. Выжженный, неуютный, враждебный человеку мир без любви, без ощущения родственных чувств и поддержки. Мир морока, ненависти, страха и лжи. Изощренного издевательства друг над другом, манипуляций людьми (художник Борис Шлямин).
Представители семьи Головлевых и близкие им люди появляются и исчезают, валяются в ногах, умоляют, пытаются отстоять остатки своего достоинства - все тщетно. Центральные персонажи - маменька и Иудушка. Маменька, не старая, вполне импозантная, самоуверенная, жесткая, беспощадно расправляется с детьми, оберегая капитал, которого и сама лишится. Елена Туркова играет сочно, подробно. Она до последнего мгновения не хочет верить в то, что жизнь ее проиграна, а жестокость к детям оказалась напрасной. Хозяйка капиталов убила в ней мать, и жизнь жестоко отплатила.
Юрий Котов играет Порфирия Головлева не жалея ни актерских приспособлений, ни ярких красок, создавая образ страшного мимикрирующего зла. Иудушка - фигура центральная, зловещая, завораживающая. Это филигранная работа актера, где много ерничанья, показной благости, обволакивающего словоблудия и звериной жестокости, которые сметают на своем пути все, превращая живое в тлен. Его изощренная насмешка над окружающими, его умение перевернуть истинное и ложное, показным состраданием прикрыть злобное уничтожение ближнего завораживают многообразием ликов зла.
Было бы неправильным выделить только героев этой истории. В спектакле слаженный ансамбль, и исполнители даже небольших ролей запоминаются, становятся необходимой частью этой сложной многофигурной композиции, рассказа о гибели дома и клана Головлевых. Пронзительно сыграл своего Степана Сергей Кабайло, женской болью пронизаны сцены Евпраксии (Светлана Кабайло), погибающая молодость представлена разнообразно, выразительно в исполнении молодых артистов труппы Андрея Соцкова (Владимир), Александра Лапшова (Петя), Маргариты Баголей (Аннинька), Алины Ващенко (Любинька).
И, конечно, нельзя не отметить художника по костюмам Наталью Кузнецову, чьи вязаные одеяния, очень точно воспроизводя не эпоху, а внутреннее состояние и героев , работают на создание образа спектакля в целом.
Пензенский областной драматический театр им. А.В. Луначарского привез свою недавнюю премьеру «Васса и другие» по пьесе М. Горького «Васса Железнова». Сегодня эта пьеса звучит чрезвычайно актуально. История Вассы Железновой, могучей женщины в борьбе за сохранение и приумножение капиталов семьи эту самую семью теряющую, по-сегодняшнему живая и пронзительная. Режиссер Ансар Халилуллин строил спектакль, раскрывая, прорисовывая сложные и выразительные горьковские характеры. И тут много удачных находок в решении образов. Но не обошлось и без модных нынче режиссерских предложений, которые порой озадачивают. Например, в своеобразном эпиграфе к спектаклю появляются все персонажи, расположенные так, словно они позируют для общей семейной фотографии, и у каждого один глаз заклеен серым кружком. Если это и метафора, то невнятная.
Вместе с тем нельзя не отметить интересное решение многих образов. Наивная трогательная Людмила (Ольга Панина), еще по-детски простодушная, но уже охваченная тонким мороком разврата, которым окутывает ее Пятеркин. Сам Пятеркин - Артем Давыдов - красавец, рубаха-парень, неутомимо идущий к своей цели: наглый, опасный, осторожно, словно зверь, подбирающийся к Людмиле. В нем сила, не знающая удержу, молодцеватое презрение к окружающим. Остро решен образ старшей дочери Натальи, замкнутой, угловатой, колючей, отчаявшейся, вставшей на путь саморазрушения. Интересно, с вызовом играет Яна Дубровина.
Достойно и сдержанно ведет роль Вассы Альбина Смелова. В последние годы в репертуаре ведущей актрисы театра появились роли драматические, многоплановые. Ее Васса, очень собранная, словно отстраненная от других, сильная, но мечтающая быть просто женщиной. Она последовательно душит в себе порывы живого чувства, и это особенно угадывается в ее сценах с Рашелью и Людмилой, где она старается быть жесткой не потому что это потребность души, а потому, что так нужно для поглотившего ее ДЕЛА.
В финале, когда Васса в ярко-красном пальто, уже в полуобморочном состоянии, больная, возвращается домой, решив проблемы в порту, она исполняет странный «танец» с Людмилой. Та кружит мать по комнате, и Васса, уже почти неживая, цепляясь за мебель, красным факелом мелькает между массивными стульями символом незыблемого быта купеческой семьи.
Самая яркая работа спектакля - Прохор Храпов в исполнении Сергея Казакова. Развеселый и удалой, бесшабашный пьяница и прожигатель жизни - таким появляется этот Прохор в первых сценах. В нем соединяются обаяние и незлобивость, цинизм и безнравственность, но есть и задатки или остатки доброты, искренняя веселость, соседствующая с непристойным озорством. В этом мире умирания, пожалуй, именно он - образец витальности. Жизнь бьет в нем ключом.
Узнав о смерти Вассы, он чуть ли не в рукопашную вступает с наушницей Анной (Елена Павлова). Актриса точна в роли услужливой приживалки, ненавидящей хозяйку... И вдруг словно что-то происходит: на смену мелкой и недостойной суете приходят жесткость и свобода. Прохор в исполнении Казакова вдруг осознал, что именно он, приживал и кутила, стал хозяином. Метаморфоза почти мгновенная. В нем появляется сила, жесткость, беспощадность. Исчезает улыбка, каменеет лицо, меняются интонации. Судьба социального типа и личная судьба сливаются воедино. За эту работу Сергей Казаков был удостоен специального приза фестиваля.
Стоит сказать и об оформлении спектакля. Художник-постановщик Олег Авдонин расположил на разных уровнях несколько дверей. Дверей, ведущих ниоткуда и в никуда. Но за каждой кто-то прячется и подслушивает. Двери, точно живые существа, отгораживают, создают ощущение лабиринта и тупика.
Костромской государственный драматический театр им. А.Н. Островского показал спектакль «Иванов» по пьесе А.П. Чехова в постановке Сергея Кузьмича, главного режиссера. Критика отметила смелую и необычную трактовку - на сцене была не привычная драма, а именно комедия, с множеством забавных трюков и гэгов. Фантазии режиссера неожиданны и смелы, что позволяло обнаружить новые смыслы в хорошо известной пьесе. Спектакль отмечен жюри «За верность чеховской традиции».
Был выделен и творческий дуэт актеров Дмитрия Рябова (Лебедев) и Анастасии Красновой (Зинаида Саввишна). Родители Сашеньки получились яркие, колоритные, очень живые. Затурканный Павел Лебедев, страдающий от своей беспардонной жены, робко пытающийся помочь другу и дочери, вызывает пронзительную жалость. Вот она, загубленная жизнь, несостоявшийся человек - тема разбитой мечты и утраченных иллюзий звучит в исполнении актера даже более сильно, чем у самого несколько замкнутого, словно ушедшего в себя и отгородившегося от мира Иванова (Иван Поляков). Зюзюшка - роль острохарактерная, виртуозно сыгранная актрисой. Она могла бы быть старшей сестрой Наташи из «Трех сестер» - та же мелочность, вздорность, лицемерие.
Вологодский драматический театр сыграл спектакль «Месье Амилькар, или Человек, который платит» по пьесе Ива Жамиака в постановке художественного руководителя театра Алексея Ожогина. Эффектная, хорошо сделанная пьеса, чей жанр обозначен как «интеллектуальная комедия», где актеры могуть показать свои возможности, поскольку она построена на игре. Некто нанимает отчаявшихся, нуждающихся в деньгах людей для исполнения в реальной жизни ролей близких ему людей - жены, дочери, друга. Дурацкая ситуация затягивает участников этого странного фарса, придуманные отношения сплетаются в тугой узел с истинными привязанностями, страстями, обидами. К сожалению, стремление развлечь публику оказалось сильнее, чем попытка проникнуть в психологию героев, в душах которых просыпаются сострадание, нежность.
Тульский академический театр драмы привез спектакль по пьесе Ярославы Пулинович «Земля Эльзы» в постановке художественного руководителя Дмитрия Краснова.
«Земля Эльзы» - история любви, нежности, обретения счастья. История жестокости, корыстия, эгоизма. Желание автора встроить в повествование о конкретной женской судьбе - беспощадной, немилостивой, но и таящей в себе возможность чуда встречи с единственным, тебе предназначенным - в политический контекст. Это как у Тригорина в «Чайке»: хочется писать о красотах и природе, но я еще и гражданин... Поэтому возникает тема немцев, насильственно переселенных с насиженных мест и подвергнутых унижениям.
И все-таки главное в этой пьесе и в спектакле - женская судьба. История Эльзы, которая полюбила на склоне лет, да замуж не вышла, Эльзы, лишь на излете жизни увидевшей и почувствовавшей, что такое женское счастье - рассказана в спектакле мощно, пронзительно, трогательно и завораживающе.
И, конечно, прежде всего это заслуга актрисы Натальи Савченко - Эльзы. Ее немецкое происхождение сказывается, прежде всего, в сдержанности и суровости внешних проявлений. Лицо, словно застывшая маска, плотно сжатые губы, лихорадочный блеск в глазах. Постепенно она оттаивает, в молодой девушке, прожившей тяжелую жизнь, просыпается женственность.
Ее любимого играет сам постановщик спектакля Дмитрий Краснов. Он точно ведет свою роль, оставаясь скромным, но по-мужски основательным, не боится отойди на второй план, чтобы оттенить характер возлюбленной по пьесе и партнерши по театру. Сцена их разлуки, страдания Эльзы, насильственно разлученной с любимым и осознающей невозможность встречи, вызывает сильные эмоции, заставляет и бурно сопереживать, и задуматься.
Смешны и трогательны соседки-товарки Эльзы в исполнении Ирины Федотовой, Ирины Васиной, Инны Тарады. Яркая работа у Ларисы Киеня, исполнительницы роли Даши, внучки Эльзы, убедительны дети Эльзы и Василия Игнатьевича. В небольших сценах они беспощадно разоблачают своих героев, их жестокость, алчность, равнодушие к судьбе родителей. Это Марина Борисова (Ольга, дочь Эльзы), Елена Берестнева (Изабелла, жена Виктора). Пожалуй, только у Юрия Богородицкого, играющего роль Виктора, сына Василия, звучат нотки примирения и сочувствия отцу.
Рыбинский драматический театр участвовал в фестивале спектаклем по роману Ф.М. Достоевского «Братья Карамазовы» в постановке Петра Орлова, давно и успешно сотрудничающего с коллективом. Он получился многослойным, очень театральным, визуальный ряд дополнял напряженно развивающееся зрелище (художник-постановщик Леонид Пантин). В центре сцены выстроен помост, на который поднимались персонажи, когда произносили монологи, обнажая души.
Разоблачение папаши, Федора Карамазова (Анатолий Поздняков), богохульника и охальника, начинается с первых сцен, когда появляются девушки в нижних рубашках, на которых следы крови, насилия. Возникает тяжелая душная атмосфера нечистой жизни. Женские роли выстроены с точным пониманием и раскрытием противоречивых, изломанных характеров. В Катерине Ивановне Аллы Молодцовой подчеркнута ее красота и торжествующая женственность. В Грушеньке Александры Капыриной - азарт, вихрь, манящая тайна, чертовщинка (за эту роль актриса отмечена дипломом фестиваля). Две стороны, две ипостаси женской души.
Мятущийся Митя Павла Иванова, Иван Алексея Батракова, Алеша Сергея Батова, Смердяков Сергея Молодцова составляют убедительную, сложную многоплановую картину человеческих заблуждений, страданий, амбиций, веры и безверия, комплексов, безоглядной широты, злобы, унижений и отчаянья.
Тверской академический театр драмы привез спектакль по пьесе Карло Гольдони «Дачная лихорадка», мало известной российскому зрителю. Эта часть трилогии автора о дачной жизни существует вполне самостоятельно. В «Дачной лихорадке» Гольдони предстает художником, рисующим нравы, осмеивающим выскочек, транжир, завистниц, желающих пустить пыль в глаза. И вместе с тем, назидательность и не столько обличение, сколько выставление на показ дурных черт характеров персонажей, соединены со стихией игры, ожидания праздника и отдыха на море. Питерский режиссер Борис Гуревич создает зрелище веселое, занимательное, ироничное.
Спектакль пронизывает легкость, актеры, рисуя своих героев, подчеркивают игровое начало. Все, что происходит на сцене, - это и реальные переживания, и игра с ситуацией, с партнером. Игра от избытка молодых сил, от непонимания реальных трудностей жизни. Игра, потому что молоды и живут в предвкушении счастья. Только одна фигура выбивается из общей атмосферы - дядя Леонардо, Фульдженцио (Вячеслав Грибков), серьезный, обстоятельный, его благоразумие не воспринимается молодыми, увлеченно играющими в жизнь и с жизнью.
Спектакль гармоничен, его внешний облик - голубой задник с пароходиками на нем, легкая конструкция, лесенки, тонкие цветочные занавесы, домики-коробки, домики-шкафчики (художник-постановщик Мария Брянцева). Все трансформируется, и сами предметы вступают в игру со зрителем. Эклектика в костюмах, где современные детали и намек на исторические одежды органично сочетаются, тоже часть игровой стихии спектакля, потому что наряды героев, прежде всего, это костюмы театральные, подчеркивающие или красоту прелестных девиц, или характеры молодых людей.
Участники спектакля создают единое целое, это ансамбль, где роль каждого важна для создания общего настроения. Постановка отмечена наградой за изящество и мастерство в воплощении пьесы Карло Гольдони.
Астраханский драматический театр показал спектакль «Любить», чей жанр обозначен как «лирика на краю пропасти» по пьесе М. Арцыбашева «Враги» в постановке Игоря Лысова. Выбор пьесы обусловил многие вопросы к спектаклю. Произведение 1916 года несет на себе явное влияние Чехова. Звучат мотивы из «Дяди Вани» о пропавшей жизни. Много любви, которая дарит не радость, а мучение и раздвоение, горечь. Неустроенность внутренняя, отчаянная отвага молодых и неспособность к поступку тех, кто старше...
Высокая конструкция с множеством лестниц (художник Изабелла Козинская) создает пространство для интересных мизансцен, но подменяет внутреннее движение характеров и отношений внешним перемещением. В самой пьесе есть статичность, которая не может не сказаться на облике постановки, лишенной внутренней пружины, динамики и подлинного столкновения характеров.
Костюмный спектакль, где есть желание создать атмосферу, ощущение томительного напряжения страсти, окутывающий флер порока... Но, вместе с тем, для зрителей, привыкших к глубине и многослойности чеховских пьес и более поздней драматургии, здесь не хватает глубины и сложности.
Заключал фестиваль спектакль хозяев, Калужского областного драматического театра «На всякого мудреца довольно простоты» А.Н. Островского. Достойная, убедительная работа режиссера-постановщика, главного режиссера театра Владимира Хрущева. Широкие полоски серо-коричневого бархата расположенные полукругом, ограничивают глубину сцены, выгораживая игровое пространство (художник Анатолий Шикуля). И множество кубов, которые позволяют его изменять, выгораживать то или иное место действия. Но, фактически, герои существуют в пустое, ибо главное - человеческие характеры и взаимоотношения. А рассуждения и признания главного действующего лица пьесы Егора Дмитриевича Глумова звучат чрезвычайно актуально, современно.
Глумов в исполнении молодого Кирилла Бессонова - несомненная находка спектакля (актер был отмечен жюри за исполнение этой роли). Он может, кажется, все. Быть наивным, убедительным, обольстительным, играть так, чтобы было весело. Изящно и зло смеяться над своими, им же одураченными благодетелями. Но не его злость доминирует в спектакле - скорее, жизненный азарт, желание самому сыграть с блеском и переиграть тех мастодонтов, которые окружают и мешают его жизни и успешной карьере, осуществлению его грандиозных планов восхождения по лестнице жизненного успеха. Его лесть откровенна, но от этого еще убедительней. Он целует руки «благодетелям», ерничает, подыгрывает Мамаевой (Светлана Никифорова).
Яркие актерские работы, оригинальные режиссерские решения сложились в спектакль мощного звучания и одновременно легкого дыхания. Кроме Кирилла Бессонова жюри отметило художника по костюмам Янину Куштевскую.
В этой статье часто повторяются слова «характеры», «взаимоотношения», «актерский ансамбль». И это не случайно. Если говорить об особенности фестиваля, представившего самые разные работы старейших театров России, становится очевидным, что общее у них - стремление рассказать о человеке в разных ситуациях, обстоятельствах, существующего в разные эпохи и непохожих социальных условиях.
Сила и значимость театра как такового в одном - в разговоре со зрителем о самых разных человеческих проявлениях, в раскрытии многообразных человеческих типов. Не эпатажа и ребусов ждет зритель от театра, а серьезного разговора о времени и о себе. И правильность выбора старейших театров России подтверждал горячий прием калужан и несмолкаемые аплодисменты.
Фестиваль в Калуге показал, что театры-долгожители не останавливаются ни в поиске новых форм, ни в современной интерпретации классики, ищут театральный язык ХХI века, бережно хранят традиции русского исполнительского искусства, наполняя его новыми смыслами и открытиями. Десять спектаклей из десяти городов игрались ежевечерне на Большой сцене Калужского театра. Программа фестиваля была разнообразна и насыщенна, так как включала кроме основной афиши и семь показов спектаклей на малой сцене. Среди них - мелодрама «Отец артистки» Рязанского областного театра драмы, «Сибирь» Театра ненормативной пластики (СПб), «Последняя лента Крэппа» Брянского театра драмы, «Отчаянные мечтатели» и «Убивец» Калужского театра драмы, «Одесские рассказы» Литературного театра Олега Попова (СПб), «Такие дела» Камерного театра Вологды. А еще в дни фестиваля работала творческая лаборатория молодых драматургов и режиссеров под руководством главного режиссера Калужского театра Владимира Хрущева.
Директор театра Александр Кривовичев, который стоял у истоков этого фестиваля в 2002 году, уже провел седьмую театральную встречу, сохраняя верность генеральной идее, сформулированную в приветственном слове в буклете форума: «Мы всегда стремились в нашем творческом общении понять, способны ли сегодня старейшие театры страны подавать пример высокого мастерства, традиционного качества, в то же время не отставая от современных веяний, и наш фестиваль раз за разом показывает, что наше творчество интересно зрителю, уважаемо в сообществе».
Фото из архивов театров
Фотогалерея
