Команда и лидер. Новый поворот/Новгородский академический театр драмы им. Ф.М.Достоевского

Выпуск № 10-120/2009, Портрет театра

Великий Новгород расположен между Москвой и Санкт-Петербургом, и игры сильных мира сего в свое время привели к полному отлучению города не только от политико-экономической, но и от культурной жизни страны. Хотя искорка теплилась в центре провинциального местечка, главным образом благодаря церквям и храмам, святой земле, на которой протекала мирная губернская жизнь. Но «звезды» обеих столиц чуяли в Новгороде благодарную публику и навещали эти палестины довольно часто. Когда известный костромской антрепренер Николай Иванович Иванов задержался в городке в середине XIX века на несколько лет, театральная жизнь потекла скромным, но уверенным ручьем.

Поднимали новгородский театр люди, сумевшие оставить свои имена в истории – и Гайдебуров со Скарской, и Шимановский, и Кошелев. Некоторое время художественно направлял театр Алексей Говорухо. Но все же Новгородский академический театр драмы им. Ф.М.Достоевского (под таким названием он вошел в XXI век) стоял в ряду многих других подобных театров в стране. Благодаря грамотному руководству директора театра, Виктора Назарова, интересным артистам, крепкой постановочно-технической команде, осознанию, что и для кого ставить, художественная жизнь текла размеренно, но без ощущения стиля и направления. Приглашенные режиссеры воплощали свои любопытные замыслы вне контекста репертуара, и зрители порой принимали спектакль родного театра за антрепризу. Требовался творческий лидер. И в 2007 году он появился.

Сергей Морозов прекрасно понимал специфику провинциального театра, его возможности и проблемы и, обладая художественной позицией, засучив рукава, взялся за дело. Случилось это накануне 155-летия театра. Юбилей стал прекрасным поводом, чтобы еще больше разжечь труппу и обратить внимание города на театр. Уже первые постановки Сергея Морозова «ДР.» Б.Нушича (см. «СБ, 10» № 6-106) и «Последняя жертва» А.Н.Островского способствовали выполнению этих задач. И, чтобы закрепить результат, решено было юбилейный год представить зрителям и СМИ как поворотный, насыщенный сюрпризами и всем самым-самым-самым…

Как мечталось, так и сбылось. «Последняя жертва», премьера которой состоялась осенью 2007-го подарила театру две блестящие женские работы: Людмилы Бояриновой в роли Юлии Тугиной и Татьяны Каратаевой в роли Глафиры Фирсовны. Успех подтвердился на II Всероссийском театральном фестивале им. Н.Х.Рыбакова в мае 2008-го в Тамбове. Людмила Бояринова удостоилась премии «Признание». А осенью эта же постановка отправилась на фестиваль «Русская классика. Отцы и дети» в Орел.

Успешно театр провел собственный Международный фестиваль камерных спектаклей по произведениям Ф.М.Достоевского в двенадцатый раз. Своеобразный его «талисман», лауреат двух фестивалей, спектакль «Я счастлива, счастлива, счастлива!..» по мотивам «Дневника» А.Г.Достоевской (пьеса Е.Белодубровского и С.Белова), почти сразу же после подведения итогов направился на «Славянские театральные встречи» в Гомель (Беларусь). И там Любовь Лушечкину, исполнительницу роли Анны Григорьевны, застало известие о присвоении ей звания народной артистки России.

Такого насыщенного событиями года театр не проводил уже давно.

Первая премьера 2008-го еще не попала в юбилейную кампанию и прошла довольно-таки тихо. Творчество Олега Данилова вполне подходило для введения в репертуар современной ироничной истории, где бы сталкивались два поколения.

Под заглавием «Желтый карлик» пьеса была экранизирована, как «Семейную идиллию» ее знают любители антрепризы. Второе заглавие и новгородскому театру показалось более привлекательным. Режиссер-постановщик спектакля Любовь Чибирева, преодолевая уровень материала, сыграла по своим художественным правилам.

Постановка оказалась направленной на финал, на попытку внушить зрителям страх и трепет перед холодной бездной, раскрывающейся за беспечными повседневными компромиссами. А бездна – это огромные голубые полотна, расписанные в виде астрологической карты неба с символическим изображением созвездий (сценография Анастасии Паутовой).

Случилось так, что за недолгое время сменился исполнитель главной роли. Работа Александра Аравушкина была признана лучшей мужской ролью сезона и произвела очень сильное впечатление на театральную общественность. При всех потерях и обретениях в образе, созданном Аравушкиным, основная его мысль в исполнении Анатолия Устинова сохранилась. В центре — вполне заурядный, чудаковатый человек, но пустые слова его вдруг наполняются смыслом.

Подчеркивает мелочность метаний героя его жена Лида (Елена Гизе) — пример остроумной, активной деловой женщины. Трезвый расчет и компромисс в отношении измены нивелируются в ней материнским чувством. Через балансирующие на грани с пошлостью слова драматурга у актрисы вдруг прорывается звенящая темная боль, трепетание сердца, сдавливаемого железной волей. Эта роль вновь открыла актрису Елену Гизе театру и зрителям. Режиссер нашла ключик и к другим исполнителям.

Юлия Фролова в роли Вики слегка преувеличивает драматизм ситуации для того, чтобы легкомысленный сюжетный поворот, придуманный драматургом, не показался глумлением над положением человека в состоянии полной катастрофы. Это важно и для режиссера.

Перед исполнителем роли Коли Григорием Сергеенко поставлена очень сложная задача показать молодого человека, наивного и открытого в своих чувствах. Современный юноша цитирует Шекспира не только в шутку, но и в моменты высоких душевных порывов.

Первый акт воспринимается как динамичная, циничная комедия. Во втором на глазах у зрителя происходит очищение героя. Огромное небо освобождается от мишуры оконных рам и довлеет над всем сценическим пространством, Жаровский в позе эмбриона замерзает на земле. Трагическая его гибель подсказывает, что даже в современном пустом, существующем не по правилам мире может случиться трагический герой, смерть которого дает жизнь. Умершая вместе с ним ложь престает быть ложью.

Следующая постановка, заявленная как первый подарок в связи с юбилеем и к Международному Дню театра, принесла настоящую победу главному режиссеру Сергею Морозову. Он попытался преодолеть в своей версии кассовой комедии и эстрадность, и вторичность, и натянутости в сюжете. То, что удалось режиссеру в постановке пьесы Кена Людвига, доказало небезнадежность совмещения приятного с полезным в искусстве.

Темы театра, игры, преображений, мистических и парадоксальных проявлений человеческой души прослеживаются в каждом спектакле Морозова. И в «Примадоннах» он сделал ставку на двоемирие, иллюзию, призрачность, подкрепленную грубоватым, но все же оригинальным юмором. Соло, дуэты, ансамбли - все, как в классических мюзиклах, с эффектной, остроумной, подчеркивающей индивидуальность каждого персонажа хореографией Светланы Сафаровой и костюмами Светланы Чазовой, на свой лад интерпретирующими коллекцию Hubert de Givenchy, многочисленные переодевания не только радуют глаз, но и подталкивают зрителя к идее тотальной игры в театр, изменчивости и преображения ради одной цели — достижения счастья, а лучше всего счастья в любви.

Над всем этим буйством красок, фасонов, танцев и мелодий царствует воздушная, кокетливая, живущая собственной жизнью декорация Ирины Бируля. Две тумбы, обклеенные черно-белыми афишами кинофильмов, а посередине кольцо, с которого свисают складки полупрозрачной ткани. Движение этой ткани и ее подсветка — достаточная замена многочисленных мест действия. Ажурный тканевый портал и пейзаж с изображением сада на заднем плане дома богатой старушки, несколько предметов мебели, вот и все, что потребовалось сценографу для создания образа спектакля.

Лео Кларк (Даниил Донченко) и Джек Гейбл (Владимир Москаленко) откровенно плохие актеры. Но Донченко наделяет своего героя изящными широкими жестами, возвышенными интонациями, а главное — авантюрностью и непосредственностью. Вся его кипучая деятельность направлена на преображение мира силой искусства. Лео воплощает загадочную «шекспировскую романтику», и переодевание в женское платье превращается из возможности украсть у старушки миллион в познание другой, лучшей стороны своего «я».

Большая доля порой совершенно неожиданного, с оттенком фривольности хулиганства досталась Джеку Гейблу. Выпускал спектакль Михаил Васильев. И его дуэт с Даниилом Донченко обеспечил первые аншлаги. Жесткая и скептическая характерность, саркастичность и грубоватость Джека составляла классическую пару мечтательному Лео. Владимир Москаленко вносит в образ неожиданный лиризм.

Остальным персонажам режиссер тоже дал возможность посолировать и похулиганить.

Особого разговора заслуживает Флоренс Снайдер (Лилия Сергеева). С.Морозов отшелушивает очевидный фарсовый налет роли и ставит героиню в центре одной из композиций спектакля, воспользовавшись умением народной артистки сочетать фарсовые приемы с аристократичными манерами. Получилась фонтанирующая энергией, чудаковатая старушка, тоже играющая свой спектакль. На глазах зрителей она превращается из восставшего с постели монстра в ироничную и добродушную даму.

Смесь острой комедийности пьесы с чарующим ароматом театра, иллюзии и романтики, интеллектуальным флером, связанным с игрой в шекспировских героев позволила зрителям ощутить возвышенность и безграничность отнюдь не легкой, но очень позитивной жизни.

Тем интереснее было увидеть, какой сюрприз преподнесет театр к своему юбилею. И команда (теперь все единодушно и с гордостью повторяют это слово применительно не только к труппе, но и всей постановочной части) отличилась недюжинной фантазией, представив зрелище, достойное более солидного юбилея. Новгородцы запомнят его как «театральный роман» «Спектакли. Лица. Годы…», который позволил побывать в разных театральных эпохах, начиная с середины XIX века, с первого представления труппы Иванова в Новгороде, и кончая будущими премьерами. Вся труппа с энтузиазмом взялась разучивать новый текст, вспоминать фрагменты старых спектаклей… Пожалуй, гвоздем программы стало появление старшего поколения артистов в коротких шортиках, белых рубашечках и красных галстуках, отважно скандирующих «Кем быть?» Маяковского. Перед зрителями разыгрывался настоящий спектакль, в котором артисты не старались перещеголять друг друга, а совместно творили смешную и грустную, озорную и серьезную историю СВОЕГО театра. Режиссуре Сергея Морозова органично вторили два проводника, завсегдатаи театральных капустников Даниил Донченко и Анатолий Устинов.

Честь открывать юбилейный сезон досталась комедии Уильяма Сомерсета Моэма «Пенелопа». Режиссер Валерий Маркин сделал значительные сокращения текста, чтобы сгустить английское остроумие, придать динамичность сюжету, но вместе с тем постарался отказаться от реприз, гиперболизированной эмоциональности, скороговорки, трюков. И текст Моэма зазвучал с утонченной интеллектуальностью и изящной интеллигентностью, словом, «настоящая английская комедия». С таким подзаголовком и многообещающим названием «Как управлять мужем» спектакль появился на свет.

Всего несколько упоминаний шляпного магазина и билетов в синематограф привели режиссерскую фантазию к решению спектакля через эстетский декор и образы немых фильмов. Ввод пластических сцен работы балетмейстера Светланы Сафаровой (актеров немого кино исполняют Анастасия Кондратюк, Людмила Павленко, Григорий Сергеенко) отсылает к лентам с участием Макса Линдера – элегантные новеллы на грани с фарсом. Но ни стилизованная музыка, ни сероватый свет французских феерий, ни голубой – немецкого экспрессионизма не лишают представление откровенной стереографической театральности. Актеры получили возможность попробовать непривычный для них способ сценического существования.

Эстетизация искусственных растений у Анастасии Паутовой больше, чем элемент интерьера: жемчужные листья мягко и игриво намекают на милое упадничество, разные комбинации горшков и вазонов создают ощущение движения пространства, подобно складкам дорогой ткани. Фоном служат тускло-серебристая стенка с окнами и пара ширм. Шикарны костюмы Светланы Чазовой. Художница нашла в заданной режиссером монохромности бесконечное количество сочетаний фактур и фасонов. Экзотические японские сновидения отсылают к богемному модерну, возбудившему Европу в начале прошлого столетия. Дополняет игру в рафинированную красоту грим Анны Сомовой – все как в фотоискусстве и синематографе того времени – выбеленное лицо и выразительно очерченные глаза. Кинематографическая мода как бы задает внешний облик, быт и отношения персонажей.

Игра в эстетство, безусловно, является одной из важных целей спектакля, но ценность ее значительно снизилась бы, не затронь режиссер струн, заботливо настроенных драматургом по великим образцам прошлого. Фарсовые образы облагорожены нотками сочувствия.

Нельзя не отметить удачные работы Виктора Борисова, Капитолины Гавриленко, Геннадия Алексеева, Любови Жинкиной, Сергея Ефимова, Веры Веркау и других.

Главная героиня Пенелопа в исполнении Натальи Егоровой искренне трогает женскую часть зала, заставляя чувствовать себя неудобно мужскую. Во всяком случае, за симпатиями и сочувственным смехом обе стороны что-то про себя понимают. Удачное коммерческое название и стильное художественное решение принесли спектаклю огромный зрительский успех.

Нащупывать свой путь в трагедии Сергей Морозов начал уже в постановке «Последней жертвы». Припадок Юлии Тугиной обставлялся как клиническая смерть, а ее явление Дульчину в последнем действии напоминало призрак. Эта сцена внутренней силой и значительностью приподнималась над мелодраматическим трюком, углубляя характер Дульчина и вызывая ощущение соприкосновения с инобытием. В том или ином качестве гибель, преображение героя — это возможность уйти в лучший мир, где жизнь продолжится уже на иных основаниях, свободных от произвола чужеродной личности или целого общества, пользуясь словами Островского, «бульдогов». Эта мысль контрапунктом легла в основу и «Коварства и любви» Фридриха Шиллера, спектакля, заслуживающего отдельной подробной рецензии.

Еще с тех времен, когда театр драмы был единственным в области, пошла традиция ставить ежегодно два детских спектакля. Чаще всего это были сказки. Бесхитростные, искренние, они имели своего зрителя, но не становились заметным художественным событием. В юбилейный год и по этому направлению требовалось показать нечто особенное.

В сказке А.Н.Толстого «Золотой ключик, или Приключения Буратино» царит дух театра и игры, что как нельзя лучше вписывается в общее направление, которым театр шел к своему юбилею. Инсценировка оказалась не самой удачной, но молодой режиссер Виталий Кононов нашел, о чем поговорить со своим юным зрителем. О взрослении, первой любви, чувстве ответственности и вечной мечте о детстве. И спектакль получился серьезным, обстоятельным, но подвижным и достаточно увлекательным. Расписные декорации Анастасии Паутовой, яркие, оригинальные костюмы Светланы Чазовой и танцы Светланы Сафаровой как бы подхватили настроение триумфальных «Примадонн». Молодая команда театра сыграла с энтузиазмом. А некоторым досталось даже по две роли, причем антагонистов – как, например, Карабас Барабас и папа Карло в исполнении опытного «сказочного» артиста Вячеслава Кормильцева.

Вторая сказка задумывалась как феерическое представление, которое можно посвятить предстоящему 1150-летнему юбилею самого Великого Новгорода. Былинное сказание «Садко» подходило по всем пунктам. Но режиссер Татьяна Прияткина найденную пьесу Г.Сапгира и С.Прокофьевой подвергла значительной обработке, чтобы серьезный драматургический материал превратить в сценарий для истинно детского представления. Лакуны текста она заполнила вместе с хореографом Светланой Сафаровой пластическими этюдами, ритмически ровными, гипнотизирующими. Народная удаль пира противопоставлена здесь странному, неспешному, страшноватому подводному миру. Использование современной музыки поддержала художник-постановщик Лилия Жамалетдинова. В декорациях и костюмах нет этнографических изысков и особенного новгородского колорита, зато магическая условность белых арок (похожих на те, что еще сохранились на Ярославовом дворище), марева тканей в единой голубой цветовой гамме с вкраплениями золота обладает нетривиальной сказочностью. Постановщики, много работавшие для театра кукол, прекрасно понимающие специфику восприятия театра ребенком, сознательно выстраивали свой примитивизм и ритмическое однообразие, напоминающее истории про репку или теремок. И аудитория оказалась благодарна за возможность домысливать и узнавать в танцующих фигурах рыб и других обитателей подводного мира. Таким экспериментом для себя театр завершил свой юбилейный год.

Все традиционные репертуарные позиции оказались заполнены – классика, современная история, «кассовая» комедия, сказки для разного возраста. Но зритель почувствовал, что ничего подобного здесь раньше не происходило. Декорации и костюмы и раньше поручались известным художникам, но теперь они оказывались в полном согласии с режиссерскими замыслами, состоящими в отступлении от быта, эстетизации, романтизации, театрализации жизни. Художественное направление, которое задал главный режиссер Сергей Морозов, произвело неожиданный и в чем-то неконтролируемый эффект. Зритель захотел приходить в театр (так, что непомерной величины зрительный зал оказывался переполненным), где его воображение будет захвачено ожидаемым, но каждый раз превосходящим ожидания великолепием. И этот сознательный, почти рекламный ход позволил преподнести под таким «кремом» (не из дешевых во всех смыслах слова) истинную, осознанную духовность. И приглашенные режиссеры подпадали под общее настроение, стиль театра, чувствуя стремление к красоте, неординарности, в некотором роде эксперименту, который позволяли проводить над собой актеры, отвергая сценическую рутину. Даже прежние спектакли, обновленные свежим актерским пополнением, приобретают черты единого стиля.

Отдаться новому, необычному, экзотическому – задача сложная. Но еще сложнее не устать и постоянно поддерживать этот огонь. Пока театр не сдается даже в тяжелых финансовых условиях. Атака на зрителя ведется не только со сцены. Вышел пока единственный, но имеющий надежду на продолжение номер газеты «Театральная губерния», созданный молодыми журналистами при поддержке театра во главе с директором Виктором Назаровым. Этот выпуск демонстрирует и отношение к творческой деятельности театра, и подталкивает его на новые свершения.

Здание театра - Фото из архива театра

Труппа - Фото Ольги Осиповой

Фото спектаклей - Виталий Левицкий

Фотогалерея