Свет праздника / Международный фестиваль "Соотечественники"

Выпуск № 8-188/2016, Фестивали

Одиннадцатый год подряд в столице Мордовии Саранске проходит Международный театральный фестиваль русскоязычных театров ближнего и дальнего зарубежья «Соотечественники». Два года назад в силу объективных причин к празднику присоединились российские театры, и это оказалось не только оправданным, но и вызвавшим дополнительный интерес у зрительской аудитории - сегодня, когда гастроли стали редкостью, особенно важно увидеть, как живут театры российской провинции и столицы.

За прошедшие годы 78 коллективов показали жителям и гостям Саранска свое творчество, и это был не просто «смотр» различных театров, а возможность увидеть, оценить, выбрать то, что ближе каждому зрительскому уму и сердцу, познать разнообразие сегодняшних выразительных средств театрального искусства и увидеть немного другими глазами свой собственный Русский театр Республики Мордовия, который все эти годы становится главным организатором и устроителем своеобразного форума.

И не просто увидеть другими глазами, но и понять, насколько вырос свой родной театр за десятилетие существования фестиваля «Соотечественники»! За эти годы с труппой театра работали разные режиссеры, артисты профессионально выросли, сформировалось молодое талантливое поколение, театр, выезжая на обменные гастроли и фестивали, приобрел популярность, а это всегда особым образом сказывается на самоощущении артистов.

Если бы итоги «Соотечественников» заключались только в этом - уже было бы совсем не мало!

Но с каждым годом они, итоги, оказываются все более значительными. Саранск стал по-настоящему театральным городом, где зрители обсуждают спектакли, делятся впечатлениями, заполняют до отказа залы, не теряют чувств гостеприимства и доброжелательности даже тогда, когда спектакли оказываются не слишком близкими им.

В программе нынешнего года произошли некоторые изменения, что, к глубокому сожалению, происходит в последние несколько лет все чаще в связи с событиями политическими, экономическими и прочими, прочими. Так, снова не смог приехать со спектаклем «Нерон» Ереванский камерный театр под руководством Ары Ернджакяна, по непонятным причинам Казахский музыкально-драматический театр, спектакль которого «Летят журавли» уже был заявлен в афише, в последнюю неделю перестал выходить на связь (извинения и объяснения в наше время перестали быть обязательностью, «вышли из моды», ничего не поделаешь!). Но, к счастью, российские коллективы пришли на помощь - изменили свои планы и с готовностью приехали в Саранск. Низкий им поклон за это!..

Тем не менее афиша сложилась весьма любопытная - в ней были представлены спектакли из Эстонии, Литвы, Белоруссии, из российских городов - Москвы, Курска, Рязани, а хозяева фестиваля, Русский драматический театр Мордовии показал два спектакля - снискавшую большой успех на прошлом фестивале «Поминальную молитву» Григория Горина в постановке Валентина Варецкого, и работу главного режиссера театра Андрея Ермолина «У войны не женское лицо» по роману Светланы Алексиевич, поставленную к 70-летию Великой Победы.

О «Поминальной молитве» мне доводилось уже писать после прошлого фестиваля и после фестиваля «Волжские сезоны» в Самаре, где спектакль был удостоен наград в нескольких номинациях. Но за прошедшее время в нем произошли отрадные изменения.

Николай Большаков, играющий роль Тевье-молочника, стал свободнее, легче, его любовь к Голде «прочерчена» артистом тоньше и нежней, как и отношение к дочерям. Оксана Сизова в роли Голды - это подлинное явление крупной актрисы, проживающей свою непростую жизнь в красках то ярко-юмористических, то в пронзительных, то в истинно трагических. Во всяком случае, эпизод разговора с Менахемом и смерть Голды задевают до слез...

Более сильными и отточенными стали характеры Лейзера-мясника (Сергей Адушкин), Перчика (Александр Борзов), Мотла (Сергей Самарин), Цейтл (Каролина Качмазова), Урядника (Сергей Лопатников), Ребе (Алексей Тимин), да и другие персонажи более точно вжились в свои образы, освоив в совершенстве пластический рисунок ролей и став свободнее в проявлении горинской эстетики, где юмор и трагедия существуют в постоянном проникновении друг в друга.

Иначе обстоит дело со спектаклем «У войны не женское лицо».

Выпущенный к 70-летию Победы, он вызвал в городе и республике горячее одобрение, был отмечен наградой, и это совершенно естественно. Но... слишком много вопросов возникло у критиков-экспертов к режиссеру Андрею Ермолину, который, к нашему изумлению, не удостоил нас чести лицезреть его на обсуждении, поэтому выслушивать критические недоумения пришлось ни в чем не повинным артистам. А недоумений было немало.

Такое произведение, как у Светланы Алексиевич, требует инсценировки, а не вырывания из контекста документального повествования отдельных фрагментов - наиболее шокирующих своей жестокостью и слегка разбавленных авторскими комментариями, которые с первых же реплик вступают в противоречие с тем, что предстоит зрителю увидеть. Начинается спектакль со слов человека вспоминающего (он сыгран Геннадием Арекаевым естественно и просто) о том, что главное - это «путь души», история маленького человека, вышвырнутого в большую историю. Но именно этого пути в спектакле и нет. То, что девушки появляются на сцене со связкой книг, с чемоданом, наполненным шоколадными конфетами, с куклой, - никак не обосновано, потому что на протяжении спектакля каждая из них рассказывает свою историю, а истории эти схожи, не индивидуализированы (кроме, пожалуй, снайпера). Юлия Егоркина, Оксана Сизова, Каролина Качмазова, Елизавета Ломайкина, Александра Рузавина, Полина Бурова играют сильно, что называется «выворачивая наизнанку нутро», но это не делает литературную композицию полноценным спектаклем. Что же касается мужчин - Александра Борзова, Владимира Буралкина, Дениса Кручинкина, Павла Курганова - они здесь служат просто поддержкой, как в балете: иногда звучат их реплики, они играют на гитарах, поют, но не более того.

Замечательно звучат песни «Если ворон в вышине...» и «Под Ржевом...» в исполнении Алексея Тимина, пронзительной нотой врывается в песню строка «...вот и упала вторая звезда...», спетая Оксаной Сизовой, отдельные моменты врезаются в память и продолжают тревожить, но ощущения целостности не возникает. Вместо нее наступает неизбежный момент, когда «порог восприятия» (а он у каждого зрителя свой) перейден, эмоциональная включенность в происходящее отходит дальше и дальше, несмотря на все усилия артистов сильной, слаженной труппы театра.

Фестиваль «Соотечественники» 2016 года дал щедрую возможность поразмышлять над тем, насколько трудно, практически, невозможно режиссеру работать без пьесы, полагаясь лишь на собственное восприятие материала. Одно дело, например, когда речь идет о тончайшей музыкально-поэтической композиции «Зеленые цветы», поставленной Александром Коршуновым к 80-летию Николая Рубцова в Московском театре «Сфера». Здесь одно стихотворение плавно перетекает в другое, а затем следует песня на стихи поэта, а потом - снова стихи. На экране сменяют одна другую фотографии, фрагменты редчайшей хроники, артисты, сидящие на сцене, не ждут своей очереди для вступления в действие, а живут одной жизнью - естественной, простой, словно слышат эти строки впервые. Назвать всех участников спектакля сложно - их много, и все они работают увлеченно, наполненно, заражая зрительный зал, но очень хочется назвать два имени: Дениса Береснева и Дмитрия Новикова - каждый из них воспринимался как alter ego недооцененного, очень крупного Поэта, смотревшего на них и на нас с фотографий...

Ни на миг не возникает ощущения «линейности» жизни и восприятия спектакля, как не возникает и ощущения труда воплощения - Александр Коршунов задумал, а артисты его труппы, обогащенные немалым опытом поэтических спектаклей, которые так тонко и точно ставила создательница «Сферы» Екатерина Ильинична Еланская, воссоздали действо театральное, легкое, завораживающее и притягательное. Потому что в этот вечер на подмостках царила Ее Величество Поэзия, пропущенная через души артистов и зрителей тонкой, необходимой нитью Добра и Света.

И еще один московский театр участвовал в фестивале - «Модернъ» под руководством Светланы Враговой привез спектакль «Мои дорогие мужчины» Рустама Ибрагимбекова в его же постановке. На прошлогодних «Соотечественниках» этот театр покорил зрительный зал спектаклем «Петля» по пьесе Рустама Ибрагимбекова, поэтому ждали приезда «Модерна» с нетерпением, надеясь, вероятно, на какие-то совпадения.

Но их не произошло, потому что этот коллектив работает с разножанровыми произведениями и «Мои дорогие мужчины» в отличие от «Петли» повествуют не о далеких временах и событиях, а о 1990-х годах, когда все в нашей жизни смешалось в одну кучу - и неофашизм, и ненависть к «нездешним», заполнившим российские города и порой устроившимся куда лучше обнищавших россиян, и любовь, и агрессия, и возрастающее год от года презрение к интеллигенции, и еще многое другое...

Поскольку я видела этот спектакль в дни премьеры, могу свидетельствовать - на мой взгляд, он, что называется, догнал свое время. Проблемы, составившие содержание пьесы и спектакля, еще более обострились, обрели крайние формы - и это происходит повсеместно, заражая, словно бацилла, весь мир. А потому спектакль кажется мне современным и очень своевременным и выбранная в качестве лейтмотива мелодия песни «Счастье мое...» звучит многозначно: и как слабеющая с каждым днем надежда, и как недостижимая иллюзия, и даже как издевательство над тем, чего никогда уже не случится...

Хочется отметить яркие актерские работы Елены Стародуб, Александра Жукова, Алексея Баранова, Константина Конушкина. Мужская часть труппы «Модерна» за годы работы превратилась из молодых артистов в профессионалов, в сильные индивидуальности, и это не может не радовать.

И еще один спектакль российских артистов подарил сильное впечатление - это «Чморик» Владимира Жеребцова, поставленный в Курском драматическом театре им. А.С. Пушкина Юрием Бурэ.

Мне казалось, что пьеса эта по своей тематике осталась в том времени, когда была создана. Ну что нам сегодня за дело до быта солдат в подсобном хозяйстве при космодроме Байконур? Но Юрий Бурэ прочитывает текст современно и своевременно - он говорит с нами об агрессии, нарастающей в человеке подобно снежному кому и разрушающей не только его самого, но и все вокруг. И эта агрессия волнами расходится, заражая все больше окружающих людей.

Так Хрустяшин (блистательно играет его Сергей Малихов) до дрожи боящийся Алтынова (очень вырос в этой роли Максим Карпович) и еще больше - откровенного бандита по кличке Бес (стал точнее и тоньше в оттенках работы Сергей Тоичкин), с радостью компенсирует свой страх перед только что прибывшим в его распоряжение Новиковым (Роман Лобынцев органичен и естествен). Кроме верующего в Бога Новикова и его сестры Кати (Мария Землякова), приехавшей навестить брата, так или иначе избывают все персонажи, включая и продавщицу местного магазина Анну (Светлана Сластенкина впервые сыграла эту роль во время фестивального показа, поэтому еще не все удалось актрисе до конца), свои комплексы неполноценности, комплексы людей, которые ждали от жизни одного, а получили совсем другое. А это - тема весьма современная, вызывающая в зрителе чувство невымышленной сопричастности происходящему. И потому абсолютно реалистический, можно даже сказать, «бытовой» спектакль столь сильно задевает, побуждает к мысли и чувству. Звучащие бодрые песни о солдатском братстве создают необходимый контрапункт, как и стихотворение Евгения Евтушенко, которое Новиков читает Хрустяшину, вольно или невольно пробуждая в этом очерствелом человеке все светлое, что есть в душе. И тогда из «чморика», словно из скорлупы, вылупливается человек... Этот процесс сыгран убедительно и сильно...

Прежде чем перейти к спектаклям наших соотечественников из Эстонии, Литвы и Белоруссии, необходимо рассказать еще об одном спектакле. Режиссер Урсула Макарова, плодотворно работавшая в Саранске, поставила в Рязанском государственном областном театре драмы «путешествие без антракта». Именно так определила режиссер жанр спектакля «Поезд в страну негодяев» по Сергею Есенину.

От поэмы Есенина в спектакле, прямо скажем, осталось мало - зато расцвели документальные дополнения, почерпнутые из газет того времени, строки стихов поэта, исполненные в жанрах чтения и пения, и потому, вероятно, зрелище получилось весьма невнятным. Все ушло в форму - броскую, изобретательную, нагруженную многочисленными ассоциациями, в стильно оформленную программку к спектаклю, но... содержание, смысл, неповерхностность сегодняшнего звучания растаяли, испарились.

Да, конечно, соблазнительно и легко сопоставить хаос первых послереволюционных лет с днем нынешним, но что от этого меняется в нашем восприятии? И здесь вновь не мог не возникнуть разговор о том, что недаром существуют жанровые определения «композиция» и «пьеса», в одинаковой почти степени требующие внутренней драматургии, конфликта, развития событий. Прочитанный в самом начале «Черный человек», иллюстрированный свисающими с колосников веревками (художник Наталья Бокова), казалось, силой тянул нас к мысли о том, что бандит Номах (Арсений Кудря) и поэт Есенин - одно и то же лицо, но насколько правомерно это, учитывая начальную строку спектакля, прочитанную с нажимом: «Был человек тот авантюристом...»? Как говорится, авантюрист авантюристу рознь, а не слишком начитанная юная публика, присутствовавшая на спектакле, мало знает о Сергее Есенине и может сделать выводы о его личности, мягко скажем, не совсем верные. И, к сожалению, вряд ли заинтересуется поэзией рязанского мальчика, попавшего в водоворот столичных революционных событий, высокой и значительной по своей сути. А если учесть, что все действие сопровождается почему-то бодрой песней итальянских партизан «Белла, чао!..», становится совсем уж невнятно происходящее перед нашими глазами...

И, наконец, о наших зарубежных гостях.

В спектакле Белорусского государственного молодежного театра (Минск) «Козий остров» Уго Бетти (постановка, пластическая партитура и музыкальное оформление Искандэра Сакаева, художник Ольга Грицаева) тоже с колосников свисали веревки и звучала песня «Белла, чао!..», что, признаюсь, привело зрителей в странное состояние - ведь они, как правило, посещают все фестивальные спектакли, и подобное совпадение на протяжении двух дней подряд сбивало с толку. Но вины режиссеров в этом нет - скорее, здесь видится та узкая тропинка, по которой сегодня предпочитают идти многие, не пытаясь доискиваться до глубинного смысла произведений, выбранных для постановки. Главной остается форма! Это, судя по всему, для Искандэра Сакаева - своего рода катехизис, потому что мне не довелось видеть ни одного его спектакля, где не были бы использованы элементы биомеханических этюдов Вс.Э. Мейерхольда. В основном, режиссер выбирает «Бросок камня», «Пощечину», «Удар кинжалом», «Выстрел из лука». Но цель остается весьма туманной - ведь Мейерхольд использовал биомеханику как репетиционный момент, подготавливающий и побуждающий артиста к действию, включая определенные элементы в спектакли исключительно для помощи, пробуждения «внутренней» памяти исполнителя. Для артистов, занятых в «Козьем острове», эти элементы и бесконечная беготня (чаще всего - с табуретками в руках) становятся чисто формальным приемом, очевидно мешающим психологическому проживанию.

Почти мистическая история невыносимого женского одиночества, страданий о предавшем ее чувства муже проживаются очень сильно Натальей Онищенко, играющей роль Агаты лишь в последнем монологе, когда, максимально приближенная к зрителю, она перестает, как юла, крутиться на табурете, не бегает по сценической площадке, а просто говорит о своих переживаниях - и этот момент становится настолько острым, пронзительным, что несколько растерянный зрительный зал стихает и внимает актрисе.

К сожалению, лишена такого «момента истины» ее дочь Пиа (Татьяна Новик), вынужденная в момент своего основного монолога метаться по кругу, выкрикивая нечто с такой страстью, что половина текста просто не слышна. А жаль, актриса-то явно интересная...

Совершенно невнятным представляется Анджело (Евгений Ивкович), человек, пришедший в этот женский мир, чтобы гармонизировать его, а на самом деле разрушающий последние остатки иллюзий и надежд. На протяжении всего второго действия артист вынужден сидеть в глубине сцены (хотя колодец, в который он попал, находился в первом действии перед первым зрительским рядом) и выкрикивать свои просьбы о том, чтобы его вытащили.

Загадочная тень Энрико, появляющаяся время от времени на сцене как напоминание Агате о ее умершем муже, тоже пришла в «Козий остров» из других спектаклей Искандэра Сакаева и совершенно не воспринимается естественной. Да и само содержание пьесы, напоминающей, в сущности, «Дом Бернарды Альбы» Гарсиа Лорки (с допущениями, разумеется!), теряется в тумане формальных поисков режиссера, не дающих артистам никакой свободы действия...

Спектакль «Русской театральной школы» из Эстонии (Таллинн) привез на фестиваль трагифарс «смраХ» (обратное прочтение - Хармс) по произведениям и дневникам Даниила Хармса. Зрелище интересное, моментами захватывающее, сплетенное из текстов и пластических этюдов, но достаточно сложное по восприятию - этот поэт-мистификатор создал свой мир, в который не каждому удается проникнуть, поэтому, как представляется, здесь необходимо было не только разъяснение на программке, но и пьеса, созданная по законам драматургии. Абсурдный мир, в котором все сдвинуто, смещено с привычных мест - разумеется, своего рода театр действия, но оно не всегда согласовывалось с текстами, несмотря на яркую изобретательность режиссера Ирины Томингас и режиссера по пластике Ирины Критт. Все занятые в действе артисты работали с полной отдачей, многообразно иллюстрируя слова о «чудотворце, не сотворившем ни одного чуда», но, к сожалению, это вносило слишком мало внятности в сплетение дневниковых записей поэта и его произведений. Хотя необходимо отметить, что спектакль по-своему завораживал зрителя своей обдуманной, тщательно выстроенной и исполненной монотонностью...

А подлинным подарком стал спектакль Театра «Арлекин» из Вильнюса «Шинель» Н.В. Гоголя! Режиссер Татьяна Тимко (с ее творчеством и работой этого коллектива зрители Саранска впервые познакомились пять лет назад, когда на фестиваль был приглашен спектакль-клоунада) прочитала повесть русского классика как редчайшее сочетание трагедии и высокой клоунады - Чарли Чаплина, Леонида Енгибарова, спектаклей Михаила Левитина.

Щедрые и совершенно оправданные метафоры, такие как белоснежная шинель, которая грезится Акакию Акакиевичу (изумительно, филигранно играет свою роль Павел Ермак!), а в финале наплывает на него, словно саван; швейная машинка, на которой строчит свое произведение Автор (мастерская работа Константина Новопольского), или это чиновник строчит бумаги, что переписывает вслед за ним Башмачкин, а потом на ней Петрович (замечательно сыгранный Сергеем Арефьевым) будет шить вожделенную новую шинель с воротником из кошки в связи с дороговизной куницы; качающиеся на вешалках шинели, шинели, шинели; удивительная простота, с которой воры сдерут с бедного Башмачкина его новую одежду; издевательские пляски чиновников вокруг Акакия Акакиевича - все это и многое другое тщательно обдумано, жестко отобрано и самым естественным образом создает проникновенный спектакль, в котором словно весь мир петербургских повестей Гоголя раскрывается перед тобой... Удивительный спектакль, подаривший сострадание и - светлые чувства от соприкосновения с чем-то настоящим, живым, полноценным...

Вот таким оказалось «лицо» фестиваля «Соотечественники» в 2016 году. Каждый раз оно поворачивается к своим зрителям какой-то иной гранью, словно уже ставшие родными черты освещаются новым, непривычным светом. Это и есть самое главное, потому что по-другому воспринимают зрители старых знакомых, узнают новых, но так или иначе - свет праздника сияет в конце марта-начале апреля над городом Саранском, в который стремится все больше наших соотечественников.

Фотогалерея