Счастливое число / VI Межрегиональный фестиваль «Волга театральная» (Самара)

Выпуск №2-262/2023, Фестивали

Крупный творческий форум, объединяющий театры Приволжского федерального округа, - традиция самарской осени. С 24 сентября по 1 октября «Волга театральная» уже в шестой раз стала одним из главных событий культурной жизни не только региона, но и театральной России. Фестиваль, созданный в 2013 году Самарским отделением СТД РФ и Ассоциацией городов Поволжья и проходящий при поддержке Администрации городского округа Самара и Союза театральных деятелей РФ, набирает высоту, расправляет крылья, дает ощущение полета его участникам. В афише нынешнего года коллективы из Уфы, Чебоксар, Оренбурга, Йошкар-Олы, Рыбинска, Альметьевска, Тольятти, Сызрани, Новокуйбышевска и, конечно же, Самары. Сыгранные спектакли сложились в счастливое число - их было 13. Созданные по классическим и современным произведениям, тяготеющие к традиции или новым направлениям в искусстве, эти работы отражают путь сегодняшнего театра. Он не всегда простой и однозначный, но в нескончаемых поисках и заключается суть настоящего творчества.

В пространстве русской и советской классики

На протяжении нескольких десятилетий приезжая в Самару (не только на два традиционных и ставших престижными для театрального сообщества России фестиваля), не устаю удивляться: полупустых зрительных залов я не припомню ни в какие времена, но заполненные на каждом спектакле не только гостями фестиваля, но и своими, самарскими, театральными зрителями - каждый раз поражают. Вот уж поистине сверхтеатральная публика!.. Из подслушанных в антракте или по окончании спектакля разговоров становится очевидным: именно на этот спектакль театров «Самарская площадь», «Камерная сцена», «Мастерская» зрители пришли не впервые, но реакция во время действия живая, радостная.

Так было и на этот раз, хотя по традиции главный театр города и области Самарский академический драматический им. М. Горького, который переполнен в любое время года, не участвует в фестивалях коллективов Волжского региона.

Спектакли шли в параллель, поэтому члены жюри разделились на две группы, стараясь просмотреть на видео те, которые вынуждены были пропустить. Так что общая картина знакома всем, и самым ценным стало то, что она довольно объективно отразила «театральное сегодня» не только Волжского региона.

Рыбинский драматический театр привез спектакль режиссера Натальи Людсковой «Васса Железнова («Мать») по первому варианту пьесы М. Горького. После спектакля, поставленного Анатолием Васильевым в Московском драматическом театре им. К.С.Станиславского много десятилетий назад, зрители впервые увидели именно этот вариант, во многом отличный от второго, а театры открыли для себя новую возможность прочтения. Любопытно, что первоначальным названием было у Горького «Мать. Сцены». В 1906 году написан роман «Мать», ставший на долгие десятилетия своего рода визитной карточкой не только писателя, но и метода, признанного после Октябрьской революции единственным для советской литературы во всех жанрах. Первоначальный вариант пьесы явно не вписывался в эту струю, он был глубже и значительнее, как ощущается сегодня, тем, что все конфликты сходились в один узел: ожидание смерти других Железновых ради наследства, вплоть до сознательного убийства. Никаких революционных идеалов, никаких противоречий социальных и идейных, никакой подлинной человеческой привязанности - всё могли решить только деньги. Согласитесь, что в первые десятилетия нового века это звучит более актуально...

В спектакле Рыбинского драматического театра мы видим удушливый мир (не совсем соответствует ему нагромождение пустых ящиков в уголке-кабинете Вассы Петровны и экран с оголенными зимними деревьями или сыплющимся снегом, а особенно - с церковью в финале. Такова сценография Анастасии Глебовой). В мире этом ради денег герои предстают от фальшиво-ласковых, уважительно относящихся к матери, до потерявших человеческий облик при известии, что им ничего не достанется. Но режиссер и артисты решают это без преувеличений, напыщенности - просто и естественно, «по-горьковски», когда действие приводят в напряженное движение характеры в их четко определенном психологическом состоянии. Каждый характер выверен в ритме смены сцен, в индивидуальных проявлениях открытых и скрытых черт от Вассы Железновой (Светланы Колотиловой) до почти эпизодических прислуги Липы (Эльвира Аширбакеева) и постоянно подслушивающей и подглядывающей за домочадцами не только по приказу хозяйки Дунечки (Наталия Левина). Каждый играет свою роль в этом доме, в котором есть все, кроме уюта, очага, близости близких по крови людей. Каждый из обитателей мрачного дома страшен и таит угрозу окружающим настолько сильно, что зрительный зал напряжен в ожидании новых и новых преступлений. Не ради чего-то возвышенного - ради денег...

Горький считал, что отечественному искусству необходима мелодрама - только не в привычном толковании этого жанра: новая мелодрама, по мысли классика, проявляется не столько в цепочке событий, сколько в характерах и психологических типах, события определяющих. И именно это прочитано и воспроизведено в спектакле Рыбинского драматического театра (подробная рецензия на этот спектакль была опубликована в «Страстном бульваре № 5-255/2023.). Жюри фестиваля единодушно высоко оценило работу молодого артиста в роли несчастного, озлобленного на весь мир горбуна Павла, великолепно сыгранного Сергеем Батовым (диплом за лучшую роль молодого актера).

Государственный русский драматический театр Чувашской Республики показал спектакль «Мертвые души» по поэме Н.В. Гоголя в постановке, сценографии и костюмах режиссера Игоря Милосердова. Надо признаться, что впечатление это действо оставило весьма странное. По мысли режиссера, зрителю предлагался жанр «фантасмагория», в то время как Николай Васильевич и исследователи его творчества по сей день исходят в своих оценках из авторского определения «поэма». Найти общее в этих полярных жанрах весьма сложно. В начале перед зрителем появляются карнавальные маски в длинных черных плащах, долго и подробно читающие по книгам отнюдь не краткое предисловие Гоголя к своему сочинению. Длится это долго, но в зале терпеливо ждут продолжения. Предстающие перед нами затем персонажи почему-то все босые и одеты по-летнему, а Селифан (Сергей Иовлев) в полушубке и шапке, но задуматься об этом некогда, потому что начинается балаган с периодическим появлением масок, цыганским пением в трактире и вьетнамскими шляпами на обслуге этого заведения: Манилов (Андрей Аверин), Ноздрев (Денис Латышев) и многочисленные персонажи третьего и четвертого планов карикатурны настолько, что чувствуешь некоторое ошеломление. Чичиков (Сергей Куклин) как будто немного растерян на всем протяжении спектакля, выглядит и ведет себя не как живой человек, а как некая функция в ослепительно красном сюртуке для скрепления воедино всех героев, но мысль Гоголя до такой степени не разобрана режиссером, что обвинить в этом артистов язык не поворачивается! И потому, словно луч света вспыхивает в беспросветном мраке зрелища, когда перед зрителем появляются два артиста, блистательно, с тонким и точным психологическим проникновением играющие Коробочку (Лариса Былинкина) и Собакевича (Николай Горюнов), ощущаешь дыхание поэмы русского классика! Они работают филигранно, каждый жест, каждый речевой оттенок находят соответствующую реакцию зрительного зала (оба актера названы лауреатами в номинации «Лучшая роль в эпизоде»).

Не стану перечислять многие составляющие этого странного спектакля, в числе которых первое место занимает «музыкальная окрошка» от народных и цыганских напевов до «Шумел камыш...», «Полета шмеля», Песни Сольвейг, Шуберта (вряд ли звуковое оформление было сочинено без пожеланий режиссера) и весьма странной сценографии...

Значительно больше повезло Николаю Васильевичу Гоголю в Самарском театре для детей и молодежи «Мастерская», где главный режиссер Александр Мальцев поставил рок-фантазию по мотивам «Вия». В отличие от «Мертвых душ» это произведение поддается, по крайней мере, нескольким жанровым интерпретациям, и «Вий» в исполнении молодых артистов театра явил не только музыкальную фантазию, но и блистательно продемонстрировал хореографическое, вокальное и даже акробатическое мастерство исполнителей. Режиссер Александр Мальцев выступил и автором либретто, композитором и сценографом этого яркого, изобретательного действа. Нельзя не назвать и имена хореографа Алексея Жандарова (по итогам фестиваля его работа названа лучшей), хормейстера, автора вокально-хоровой аранжировки Александра Шнейдера, художника по костюмам Сергея Горелова - их работа безукоризненна! Превосходны Александра Костырева в роли Панночки, Руслан Салихов (Хома Брут), Никита Ходенков в двух образах - Ректора и Сотника. В целом же яркий актерский ансамбль «заражает» разновозрастную публику стремительным ритмом сменяющихся событий, зрелищем, в котором переплетены бытовые и фантасмагорические линии, и тем очевидным удовольствием от процесса игры артистов, которое волной перекатывается в зрительный зал (диплом за лучший актерский ансамбль). Стоит пожалеть лишь о том, что порой в этом действе пропадает текст, побежденный музыкальной и движенческой стихиями...

Ансамблевым, ярким и глубоким оказался и спектакль «Самарской площади». Художественный руководитель театра Евгений Дробышев поставил его по мотивам пьесы Григория Горина «Шут Балакирев». Как почти все сюжеты драматурга пьеса отличается особого рода вневременностью, позволяющей в прочтении опытного мастера режиссуры ненавязчиво подчеркнуть современность. Глубокое понимание значения каждого образа, тщательность их разработки дают артистам щедрую возможность достоверно и талантливо прожить не просто конкретные события, но судьбу Ивана Балакирева (Роман Лёксин отмечен дипломом «Лучшая роль молодого актера»), императора Петра (Геннадий Муштаков), императрицы Екатерины Алексеевны (Наталья Носова стала лауреатом в номинации «Лучшая женская роль второго плана»), ее секретаря Монса (Владимир Лоркин), светлейшего князя Меншикова (Михаил Окаёмов) и других персонажей. И происходит это потому, что режиссер не позволяет ни себе, ни артистам вольности осовременивания - перед нами разворачивается история в так и не выученных потомками уроках, что становится едва ли не самым важным. Потому столь естественно, почти незаметно переходят из одного состояния в другое юмор, ирония, драматизм, фарсовость на грани трагизма, так отличающие творчество Григория Горина и очень точно понятые и воплощенные Евгением Дробышевым и его труппой.

Неожиданным и весьма любопытным оказался спектакль Сызранского драматического театра им. А.Н. Толстого «Так и будет» по пьесе К. Симонова в постановке главного режиссера театра Олега Шахова (художник-постановщик Анна Митко, музыкальное оформление Сергея Павлова). Уже сам выбор материала, написанного в 1944 году и «по горячим следам» поставленного в Театре имени Ленинского комсомола, где играла Валентина Серова; ставшего едва ли не первой советской пьесой, воплощенной на Бродвее; в первые послевоенные годы идущей в нескольких театрах страны, однако вскоре основательно забытой, несмотря на получившую широкую известность постановку Леонида Варпаховского в Малом театре в 1973 году, не столь популярный фильм Льва Мирского (1979), спектакли в МХАТе им. М. Горького (режиссер Т. Доронина, 2020), Тверском драматическом театре (режиссер Александр Чуйков, 1993) - засвидетельствовал интерес постановщиков к теме, а не по случаю даты, как это нередко случается. К теме, в каком-то смысле, приобретшей важность в наши дни: существование между войной и миром, краткое пребывание на стыке этих двух состояний. И этот выбор режиссера необходимо, на мой взгляд, отметить: тем более что спектакль Сызранского театра готовился, фактически, одновременно с воплощением пьесы «Так и будет» Ярославского театра. По совету Сергея Пускепалиса над ним работал режиссер Владимир Данай.

Олег Шахов очень точно нашел начало: еще до появления на сцене персонажей звучит «Случайный вальс», настраивающий именно на это состояние людей мира, остро ощущающих, что идет и не кончается где-то война. Но дальше этот важный ориентир размывается неоправданно карикатурными образами домоуправа (Владислав Штиль), Сергея (Анатолий Карпов), хроникой на экране, не всегда соответствующей времени военных событий, и некоторыми прочими деталями. Но зритель захвачен происходящим - реакция зала эмоциональна и порой гипнотизирует...

Главные герои - Савельев (Владимир Калялин), Воронцов (Андрей Бурнаев), Ольга (Диана Донских), Греч (Татьяна Дымова), тетя Саша (Нина Андрухович награждена специальным призом жюри «За верность традициям психологического театра») и юный артист Ваня (Даниил Калялин награжден дипломом участника фестиваля) - убедительно работают в традициях русского психологического театра в разной степени, но они достоверны, существуя в том далеком времени и в сегодняшнем.

Пьеса Симонова, как и спектакль, завершается недоговоренностью: вернется ли живым Савельев, соединятся ли они с Ольгой, выживут ли «сын полка» Ваня, военврач майор Греч? И то, что Олег Шахов не использует продолжение, что Львом Мирским было «встроено» в художественный фильм, свидетельствует, на мой взгляд, о той «концентрации взгляда» режиссера на определенном, важном для нескольких поколений отрезке истории и времени, которое необходимо и сегодня. А зрители аплодировали в финале долго и благодарно...

Спектаклем, завершающим фестиваль, стала «Бесприданница» А.Н. Островского в постановке Оренбургского государственного областного драматического театра им. М. Горького (режиссер - художественный руководитель Рифкат Исрафилов, художник-постановщик Тан Еникеев, музыкальное оформление Тамары Пикулевой). Мне довелось видеть этот спектакль раньше и подробно писать о нем («Страстной бульвар, 10, №7-257/2023), поэтому здесь отмечу: он сохранил хорошую форму.

Выдающийся литературовед, тонкий знаток театра Владимир Лакшин очень точно писал: «Чем больше живешь, тем больше понимаешь жизнь и тем меньше склонен учить. В такой пьесе, как «Бесприданница», подкупает не только мысль художника - мысль нравственная и гуманная. В ней сама глубь жизни, желание постичь ее загадку, коснуться живой диалектики доброго и дурного в людях. И тут шаблон готового морализма отлетает как старая шелуха... персонажи «Бесприданницы» предстают уже не хозяевами лавок Гостиного двора, а «полированными негоциантами»... Надо было, чтобы прошло более века, для подлинного расцвета - роста едва намечавшейся прослойки до размеров элиты общества». И вот они перед нами: стоящий над всеми по богатству, возрасту и положению «миллионщик» Кнуров (Владимир Бухаров), выросший вместе с Ларисой Огудаловой и ставший уважаемым молодым купцом Вожеватов (Эдуард Султанбеков), заезжий лощеный красавец Паратов (Максим Меденюк). Они говорят на одном языке, понимая друг друга даже без слов, легко жертвуют чувствами ради обогащения, но, представляясь нам различными, по сути, являют три возраста одного и того же персонажа: разгульного, душевно невоспитанного, воспринимающего себя хозяином жизни человека, который приобрел внешний лоск, а нутро осталось прежним. Капитализация общества во времена Островского только начиналась - нам же досталось ее буйное цветение в самых причудливых и разнообразных проявлениях... Потому так точно расставлены в спектакле Рифката Исрафилова акценты общности, глубинного единения персонажей. Все, что осуществляется этой компанией властелинов мира, каковыми они себя мыслят и изображают, можно без преувеличения счесть приметами сегодняшнего бытия: безнравственного, но широкими волнами прокладывающего свою дорожку отнюдь не только в юные и неокрепшие души.

Да и Карандышева, блистательно сыгранного Дмитрием Гладковым (лучшая мужская роль второго плана), полностью к страдальцам не причислишь. Он рвется в круг избранных, одержимый одновременно непомерными амбициями и жаждой самоутверждения любой ценой. Он стремится в это общество, скорее всего, не из возвышенного чувства к Ларисе, а из желания примкнуть к кругу Кнурова-Вожеватова именно с ее помощью. Хотя, конечно, зревшее в нем несколько лет чувство к Ларисе, превратилось в болезненное, благодаря симбиозу амбиций и желания обладать именно этой женщиной...

Работа Дмитрия Гладкова была единодушно высоко оценена членами жюри фестиваля, а публика увенчала спектакль долгими благодарными аплодисментами.

Наталья СТАРОСЕЛЬСКАЯ

Что отразится в зеркалах

В обширной истории Отечества мы нередко отыскиваем именно те страницы, с которыми связаны кровными узами. К 285-летию Тольятти, а прежде Ставрополя-на-Волге, в Драматическом театре «Колесо» имени Глеба Дроздова поставили спектакль, посвященный основателю города - Василию Татищеву. Выдающийся государственный деятель, организатор горного дела на Урале, заложивший там государственные заводы - прообразы Перми и Екатеринбурга, ученый-энциклопедист стал главным героем пьесы Александра Игнашова. Автор опирался на многочисленные архивные источники и труды самого Татищева, в том числе на его уникальное исследование «Сказание о звере мамонте», признанное важным вкладом в мировую науку, но только уже после смерти Василия Никитича. Небольшая деталь биографии показывает, как много в этой судьбе трагического, запоздалого.

Историческую драму «Татищев. Сказание о звере мамонте» поставил Вадим Романов и он же создал сценографию - метафорическую, вызывающую множество ассоциаций (рецензия на эту постановку публиковалась на страницах журнала «Страстной бульвар, 10» в № 4-254/2022). Калинов мост, на котором оказывается Татищев, станет не только границей между мирами, но и местом встречи с теми, кто сыграл в его жизни счастливую роль или роковую. Герой Андрея Амшинского прокручивает в памяти события прошлого, вновь мучительно переживает обрушившиеся на него несправедливость и наветы. И даже стоя у последней черты, пытается достучаться до тех, в чьих руках судьба государства. Слуга Егор - один из немногих, кто остро чувствует душевные муки Татищева и будет искренне оплакивать хозяина, когда придет срок. Небольшая, но очень важная роль сыграна Александром Двинским трогательно, без лишних эмоций.

Для понимания противоречивости личности Татищева и его места в российской истории особенно важны беседы главного героя с императрицей Анной Иоанновной, ставшие системообразующим центром спектакля. Этот образ у Натальи Дроздовой (по итогам фестиваля - лучшая женская роль) получился объемным и живым: она предстает то венценосной особой, способной на самые жесткие решения, то обыкновенной женщиной, уставшей нести свое бремя, лишенной возможности просто любить.

Софья Рубина, художественный руководитель и главный режиссер Самарского театра драмы «Камерная сцена», в своей новой работе «Эпилог» по мотивам романа «Преступление и наказание» и повести «Записки из Мертвого дома» Ф.М. Достоевского, тоже сосредоточила главное внимание на теме любви (сценография Георгия Пашина, костюмы Ольги Никифоровой). Именно это чувство, сталкиваясь с внутренним сопротивлением и отторжением, постепенно прорастает в душе Раскольникова и помогает прийти к покаянию. Эмоционально сложная роль, требующая глубокого погружения в психологию текстов Достоевского, пока еще не вполне удалась Кириллу Барахта. Так же, как и для решения образа Сони Мармеладовой, своего рода камертона всего действия, Ольга Арнаутова не нашла разнообразия в оттенках. Наиболее сильное воздействие в «Эпилоге» производят сцены с Мармеладовым: в герое Олега Бабанова (лучшая мужская роль второго плана), несмотря ни на что, удивительная духовная чистота, пронзительная искренность. Жертвенная, безответная любовь к Катерине Ивановне (Елена Фадеечева) приводит к опустошению, ломает физически, но все равно оставляет надежду на прощение этого грешного человека.

Впервые участником «Волги театральной» стал Самарский театр для всей семьи «Витражи», предложивший лирическую комедию «Здорово, родня!» по рассказам В.М. Шукшина. Этого автора ставят много, публика, как правило, с удовольствием погружается в сюжеты о бесхитростных жителях российской глубинки, но почему-то режиссеры часто выбирают из богатого шукшинского наследия одни и те же названия. Вот и Олег Скивко пошел по кругу, включив в свой спектакль «Сапожки», «Микроскоп», «Степку» и еще несколько набивших оскомину рассказов. Но главное, не сумел вдохнуть в них жизнь, придумать интересный ход, так же, как и актеры не наделили верной интонацией своих персонажей. Это тот случай, когда простой, на первый взгляд, материал обнажает серьезные просчеты театра - неумение соединить отдельные истории в ясную логическую конструкцию, отсутствие важных оценок во взаимоотношениях героев.

Академический русский театр драмы имени Г. Константинова Республики Марий Эл - тоже новая строка в истории «Волги театральной». Встреча оказалась счастливой. Спектакль «Бабье лето» по пьесе Айвона Менчелла познакомил с тонкой, психологически выверенной режиссурой Владислава Константинова (специальный приз жюри «За вклад в развитие театрального искусства»), подарил радость сопереживания, наполнил внутренним светом, что сегодня, к сожалению, случается нечасто. Блистательное трио - Людмила Мансурова, Евгения Москаленко, Юлия Охотникова - на протяжении всего действия творит чудеса, заставляя зрителей смеяться и плакать. В экстравагантности и неуемной жажде жизни Люсиль, нежности и доверчивости Дорис, ироничности и остром уме Иды отражаются три абсолютно разные женские судьбы. И в то же время они единое целое, потому что даже в осеннюю пору в человеке не угасает надежда преодолеть одиночество и быть счастливым. Это читается и в лаконичном сценографическом рисунке Павла Корниенко: пронизанные солнцем кленовые листья вот-вот сорвутся с ветвей и устремятся в чудесный полет.

Давний друг фестиваля Государственный академический русский драматический театр Республики Башкортостан сыграл «Свой путь» по пьесе Ярославы Пулинович или, как обозначено в программке, «иронию судьбы в двух действиях». Он стал последней постановкой Михаила Рабиновича, много лет возглавлявшего этот известный в российском театральном пространстве коллектив. Вместе с ним над спектаклем работали художники Вячеслав Виданов (сценография) и Дарья Здитовецкая (костюмы). Сюжет рассчитан на двоих, но полноправным действующим лицом здесь становятся музыканты кавер-группы «MAGICFIVE» - в их композициях тональность стремительно меняющегося времени.

Цепь случайных встреч и расставаний Веры (Софья Венедиктова) и Петра (Дамир Кротов) сплелась в судьбу, прочертив для каждого свой путь. Его бросает из крайности в крайность, заставляя кардинально менять политические убеждения, веру, образ жизни. Ее ничто не заставит отступить от заранее выбранной цели, поэтому в одиночку преодолеет все трудности, подставит плечо тем, кому нужна помощь. Но она знает, что такой стала благодаря странноватому незнакомцу, который однажды заставил закомплексованную девочку поверить в себя, пробудил любовь. Потому и прощает, и всякий раз отпускает, и знает, что всегда будет ждать звонка в дверь. И пьесу, и спектакль можно трактовать как историю о напрасно потраченных годах и воскликнуть вслед за Петром: «А для чего мы все были?». Или, наоборот, увидеть в ней важные знаки судьбы: в каждой встрече, пусть даже напрасной и горькой, - предначертанность, свой и только свой путь.

Собственное прочтение «Трех сестер» А.П. Чехова предложил Новокуйбышевский драматический театр «Грань». Денис Бокурадзе поставил спектакль-рефлексию о времени давно ушедшем, сегодняшнем, грядущем, на пять часов погрузив зрителя в почти безвоздушное пространство дома Прозоровых. Часы давно остановились, но заведен волчок, и каждый его оборот приближает к неминуемой катастрофе - и конкретной семьи, и страны. Бездействие, ничего не значащие слова и обещания, неумение противостоять тупой агрессии ведут к саморазрушению.

В жесткую режиссерскую конструкцию вписаны монохромные декорации, которые легко трансформируются в небольшом пространстве сцены, вызывая реальные ощущения разрушения, сквозняка (авторы сценографии Денис Бокурадзе и Виктор Никоненко). Символичен язык костюмов, созданных Урсулой Берг и концентрирующих главные черты характеров персонажей (работа художника отмечена дипломом фестиваля). В выцветших, запыленных одеяниях Ольги (Евгения Аржаева) и Ирины (Екатерина Кажаева) чувствуется обездоленность, опустошение. Шинель Чебутыкина (Руслан Бузин) с оторванным рукавом, сшитая грубыми открытыми стежками, как и вся его жизнь - наскоро скроенная, незавершенная. В черной шляпке Маши (Юлия Бокурадзе) есть что-то вдовье. Элегантное платье Натальи Ивановны (Наталья Сухинина) кажется неуместным и странным на фоне ужасающего запустения. Спектакль соединяет талантливую драматическую игру актеров и сложную пластику (диплом за пластическую выразительность), и все же, при всей глубине проработки чеховского текста, производит впечатление избыточности.

Встречу с Альметьевским татарским государственным драматическим театром можно назвать долгожданной. Он участвовал в самом первом фестивале «Волга театральная», показав «Мещанскую свадьбу» Б. Брехта, которая была отмечена дипломом за лучшую режиссуру. На втором фестивале представил спектакль «Ромео и Джульетта» У. Шекспира, получивший приз за оригинальное режиссерское и пластическое решение. А в этот раз сыграл драму «Не был женат» по повести выдающегося татарского писателя и драматурга Гаяза Исхаки. В ее основе история любви Шамси и Анны - татарина и русской. Они воспитаны в разных культурных традициях, прекрасно осознают невозможность быть вместе, переживают болезненные расставания, но сила их притяжения и родство душ так велики, что даже спустя годы невозможно поставить точку.

Работая над инсценировкой, режиссер Айдар Заббаров включил в текст истории реальных людей, интервью с мусульманскими и христианскими религиозными служителями, отчего тема межнациональных браков, по-прежнему актуальная, не имеющая однозначных трактовок, приобретает еще большую глубину. Думается, точнее всего приблизился к истине православный священник, чей монолог звучит ближе к финалу: не важно, какого вероисповедания придерживается человек и какие обряды совершает, ведь над всем этим стоит любовь, которая и есть Бог. Спектакль «Не был женат» играют на татарском, но, благодаря синхронному и очень точному переводу Фариды Исмагиловой, трудностей восприятия не возникает.

В очень простом, продуманном до мелочей сценическом пространстве (Айдар Заббаров также автор сценографического решения), где нет ни одного лишнего предмета и каждый из них становится символом, возникают картины жизни - зимний Петербург, соединивший Шамси и Анну, жаркие волжские степи, маленькая татарская деревня. Они отражаются в зеркальном полотне над сценой, и кажется, что сюжет развивается одновременно в двух измерениях. Ощущение особого объема дает световая партитура художника Ольги Окуловой. Выразителен пластический рисунок отдельных сцен, созданный Софьей Гуржиевой. Игра главных героев в исполнении Миляуши Хафизовой и Айрата Мифтахова (диплом за лучшую мужскую роль) сплетена из тончайших психологических нюансов. Понятны душевные терзания Шамси, который разрывается между сыновним долгом и глубокой привязанностью к русской женщине и их общим детям. Не вызывает сомнений чистота любви Анны, несущей свой крест безропотно, с истинной верой. А силы дает незримое присутствие двух ангелов (эти роли замечательно исполняют Диляра Фазлиева и Энже Сайфутдинова). Их крылья становятся защитным полем для всех, кто страдает и надеется.

Спектакль «Не был женат» несомненная удача Альметьевского театра и заслуженный Гран-при VI Межрегионального фестиваля «Волга театральная».

Елена ГЛЕБОВА

Фото предоставлены оргкомитетом фестиваля

Фотогалерея